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影响日后的作品增值与升值。
对初入书画收藏者来说，如果一件书画作品被你欣赏并接受，实际上已经具有收藏价值。但从投资角度来讲，你还需要了解该名画家是否具有良好品德修养，以及不断创新进取的精神和严谨的创作态度，这决定他以后的发展潜力和成名成家的潜在条件，也决定你收藏的这件作品的增值与升值的力度 。
中国古代书画、欧洲油画、翡翠珠宝并称为世界艺术品拍卖市场上的“三大宠儿”。艺术品是民族文化的物态化，乃国脉所系，凝聚着民族的智慧和文明，中华古代文化备受世界人民的热爱。
在书画艺术品投资中，我们应以“名、真
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崔子范字画
崔先生自幼喜爱绘画，后得到中学美术教员张子莲先生和中国画大师齐白石先生的指导，打下良好的中国画基础，在北京画院工作的二十多年对中国大写意花鸟画作了系统的学习和研究。近年来离开了行政领导岗位，潜心于写意花鸟画的创作。1981年《玉兰八哥》获北京市美术作品展等奖。曾先后在北京、瑞典、丹麦等地举办过个人画展，并多次参加国内外大型展出。1986年，他在中国画研究院举办了大型个展。吴作人、李可染、叶浅予、何海霞、张仃等美术巨匠都亲临参观，高度评价。1991年山东省成立崔子范艺术国际会。同年被国家评为突出贡献的艺术家。出版有《中国当代美术家崔子范精品集》和《崔子范艺术研究》。
本报讯：9月15日上午9点30分，为庆贺国画大师崔子范先生九十诞辰，由青岛市崔子范书画艺术研究院、青岛拍卖中心、山东新世纪拍卖行主办的《庆贺国画大师崔子范九十寿辰师生作品展》，在青岛香港中路100号中商大厦四楼展厅展出。青岛市人大副主任任群先、宣传部秘书张永铭，青岛市文联纪宇，崔子范书画研究院副院长崔新健等及社会各界100余人出席了开幕式，潍坊市书画家联谊会常务副会长、《东方书画》主编李宪忠应邀出席。
此次展览展出崔子范先生及邢少臣、贾浩义、孙丰友、孙泳新、刘世骏、刘荫祥、刘玉范、张国强、陈兵、吴国业、邵志杰、赵准旺、赵言斌、高坤长、夏德起、崔新健、鲁光、蔡寅坤等人书画作品百余件。
崔子范，山东莱阳人，1915年生。12岁开始学画，读过几年私塾。战争时到延安军政学院学习，1945年回到山东，在胶东南海公署先后任秘书主任、专员等职。1949年后，曾任北京政委、城市建设部勘察测量局局长，1956年到北京画院任秘书长，后任党委书记兼副院长。担任北京市文化局顾问、中国美术家协会北京分会理事、北京花鸟画研究会会长。
崔子范在中国画界的出现和引人注目，是七十年代后期，前此由于公务繁忙，他少有时间作画。只是在五十年代初期，他有过一段学画的黄金时期，当时他经人介绍拜识了齐白石，每隔一两个月带些画去请教。白石老人认为崔子范的画法很好，鼓励他就这样画下去。并且说：“我放不开，你放得开，你的画是真大写意。”但当时他仍然称不上是专业画家。
崔子范的艺术虽然远承青藤、八大、吴昌硕之文脉，但其基本的师承渊源却是齐白石。分析崔子范的艺术特征，将其与齐白石作一比较研究，或许可以看出中鸟画在近现代的一些重要变化。
自从中鸟画在公元9世纪脱离装饰性艺术而成为独立画种，“写生”(师自然)与“写意”(师心)遂成为两大主流。传统美学中的“形神关系”成为众说纷纭、解说各异的创作理论核心，对“形”“神”的不同认识和侧重不仅造成中鸟画工笔和写意的差异，也成为画家“写生”与“写心”的不同立足点。
博古艺术网近几年对崔子范字画市场价格分析估价表：
崔子范暮归镜心设色纸本成交价：RMB1,620,000
崔子范迎春镜片设色纸本成交价：RMB3,920,000
崔子范癸酉1993年作成交价：RMB2,360,000
崔子范紫藤双鸟镜片纸本成交价：RMB1,770,000
崔子范枇杷小鸟立轴纸本成交价：RMB3,530,000
崔子范花卉本纸本成交价：RMB1,420,000
　　随着移动互联网思维的持续深化，伴随诞生的新概念、新商业模式、新思维层出不穷，前景广阔，不可预测，更不可限量。移动互联网爆发出的强大生命力与活力，推动移动电商更加多元化发展，新的电商时代正在崛起。未来，所有的人与物都是移动化的，所有的商品都将联网化，所有的企业都将移动互联网化，所有的商业模式都将服务化。
　　“下一个十年，网络将彻底颠覆整个艺术世界，一半以上的艺术藏品交易将会在网上完成”。过去的艺术市场是卖方市场，对于所售藏品的价格存在很大的随意性，也会经常出现“三年不开张，开张吃三年”的状况。而接受了“互联网+”概念洗礼后的艺术市场，已转变为买方市场，艺术藏品售卖方向应以买家的喜欢、需求为核心。这样的思维转变，随之而来的藏品销售、运营模式都会改变，最终会改变艺术行业生态。博古艺术网用互联网的思维改造艺术世界，让艺术市场更扁平化，买家与卖家之间的信息更加对称，建立更公开透明更市场化的艺术生态环境。
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志趣网 版权所有雅韵红木||30年前，20万换9000张名家书画，如今他富可敌国！
雅韵红木艺术家具
如果你在30多年前有20万！是买1辆桑塔纳风光风光？还是买9000张书画放家里？小编将为大家解读这30多年前的20万。
关于这个问题，先让我们来了解一下30多年前20万的价值。
当年有个名词叫“万元户”这个响当当的头衔，在七八十年代，简直就是土豪的代名词。那时候米价0.14元，肉价0.95元，走亲戚送礼2元左右，压岁钱0.1-0.2元，1万元简直可以数十年不愁吃穿了…
如今，改革开放三十多年来，“万元户”也变成了历史概念。
那么，现在多少财富才相当于以前的“万元户”？
来自北京师范大学教授钟伟的一篇权威学术研究报告，答案是：255万！
看到这个数，我也是非常吃惊。
松柏高丽·篆书四言
成交价：RMB425，000，000
1985年，一辆桑塔纳在国内卖20多万人民币。
第一辆组装桑塔纳轿车驶下流水线，这派头！这气势！这感觉！犹如众星捧月啊。
“叶隐闻声”花卉工笔草虫册
成交价：RMB 115,000,000
按照255的倍数，20万相当于现在的20×255≈5100万！
五千万啊！大概可以买567辆2016新桑塔纳，如今也只剩一位漂亮妹妹了！
先让我平复一下心情...
然后来一起认识一下这位——许化迟
许化迟的父亲是许麟庐，是齐白石的得意门生，荣宝斋新中国成立后的第一任经理。关于许化迟有几个现在看来跟传说一样的故事给大家说道说道....
陆俨少作品也就8块一张！
1977年，陆俨少来北京，客居许家。陆俨少拿出自己的五张画。让25岁的许化迟去荣宝斋卖了。韩度权当时是荣宝斋收画的一把手。收画一把手，意思是鉴定专家，当时收画，经理说了都不算，必须找他。到了荣宝斋，许化迟说“有几张画，让您看看”。韩度权说“你打开吧。”打开看了，韩度权说，留一张吧。许化迟心里一咯噔：留一张？就问多少钱一尺，说8块，结果许化迟就把画一卷就回来了。（当时王雪涛的画12块一尺，李可染15块一尺。）回家后，陆俨少听了生气，不说话。
30年后陆俨少一张作品卖1000万了....
黄宾虹的画，一块钱一张，还没人要。
50年代，许麟庐的“和平画店”开业，这家画店的旧址，如今已经湮没在王府井的一片繁华中，但当时，这家在齐白石支持下开出的不足40平方米的画店，却是京城的名家荟萃地，郭沫若、徐悲鸿、傅抱石、张伯驹、李苦禅、启功、黄苗子、黄永玉，都是常客。齐白石每星期都要来画店亲自坐镇，“和平画店”匾额的四个字，正是他题写的。年，黄宾虹的画，一块钱一张，还没人要——因为大家不认识。”
（1865年－1955年）
场内多位买家之间展开竞争最终杀至3亿元落槌。
100多元，“买贵了”齐白石。
1978年，许化迟从朋友那儿花100多元钱买了张齐白石的画，这张画后来收录进《齐白石画集》。许化迟拿着画给父亲过目，问真假。许麟庐看了，说真的。但又说，100多元钱，买贵了！
成交价：RMB92，000，000
1981年，直接用20多万买下9000张画。
1979年，历史博物馆成立了“外宾服务部”，卖一些近现代画家的画，收入用于改善博物馆的经费不足——那时候博物馆来了外宾，请人吃饭的钱都没有，国家财政拨款有限。接待外宾的标准是每人三块钱。但这是天安门前的国家博物馆，三块钱怎么吃饭呐？差额就得从这儿解决。当时艺术家们的画，吴作人一张画卖5元钱，李可染8元，刘炳森6毛、8毛，这是上世纪80年代初的时候。外宾服务部经营到1981年，经营不下去了。卖得不好，国家博物馆卖字画也丢人，画于是得处理掉。但这么多处理给谁，谁又买得起？许化迟，一次性花二十多万，买了全部的画作。都有谁的？齐白石、张大千、李可染、吴作人、蒋兆和等等....
李可染曾言：“吾爱江南，江南之美时萦梦寐，惓惓情深，不能自已。”
▲李可染1964年作《万山红遍⑥》131cm×84cm RMB 293,250,000北京保利2012春拍
30多年后，当年风光无限的，20多万的一代“豪车”桑塔纳，如今已是一堆废铁，飘零、破败在残风中....
蒋兆和，现代人物画家
《卖小吃的老人》
30多年后，当年无人问津的，20多万9000幅名家画作，如今炙手可热，其价值不可计数。
当然，当年许化迟20万买9000张名家书画的际遇，不是谁人都能有的。我们没有许化迟家那样的世家背景、也没有那样的雄厚实力。
但也不妨我们在日常生活中，收藏一些自己喜欢并且买的起的艺术品，就算这些收藏无法让你青云直上，放在家里提高一下生活品味也是个不错的选择吧。
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今日搜狐热点【钱婶er】现在后悔没买房 将来一定后悔没买画
现在后悔没买房 将来一定后悔没买画
近几年经济不景气，人民币贬值，房价进一步打压，股票市场一路下跌，大家的钱袋子很不好过……有钱搁在哪里最放心？相信这也是很多投资者和藏友非常关注的话题。
据了解，目前大部分投资都游向了艺术品收藏市场，越来越多的人开始投资书画，全国各地掀起一股书画“收藏热“，书画市场前景一路走俏！
王健林1.72亿人民币拿下毕加索名画《两个小孩》
身家过亿的收藏家对书画情有独钟
王健林1992年以800多万收藏傅抱石作品《龙盘虎踞》，亿人民币拿下毕加索名画《两个小孩》，刘益谦亿拍下王羲之《平安帖》，2015年以10.84亿拍的《侧卧的裸女》等等这些收藏大佬豪掷资金购买书画已经不是新闻。
毫无疑问，这些画作具有非常高的艺术价值和收藏价值。但是，作为普通老百姓，我们收藏不起这样的作品，那么又该如何收藏书画呢？
书画投资的突出特征是它的文化性和艺术性比较大，这些衡量指标比较虚，让很多人看不懂，也不敢入手，不过不要忘记，这些大师都是从当时的优质画家中演变过来的。上世纪七八十年代时，齐白石、张大千的作品在北京荣宝斋的价格也不过一平方尺20元，一件100多元。
2010年刘益谦3.08亿拍的王羲之《平安帖》
在中国收藏界，老一辈藏家正逐渐淡出，而民营企业家则逐渐成为收藏主力。作为文化产业新的经济增长点，中国的艺术品市场正在成为民营资本关注的新兴领域，未来可期。
企业家的收藏热，更深的背景来自于中国经济发展。中国有句俗语：乱世屯粮，盛世收藏。专家评议，投资艺术品，对企业家们来说，有点鱼与熊掌兼得的意思。它既是保值的，又可以拿来赚钱。企业进行艺术品投资，正成为一种资本运作的新方式。
对于企业来说，资金不能放在同一个篮子里，投资艺术品收藏是一种企业多渠道投资的思维模式。从近20年国内投资市场来看，文物艺术品珍稀真品的回报率要远高于股票、房产以及贵金属等，因此，企业家会将一部分资金用来做艺术品投资，分担通胀风险和投资风险。
2013年刘益谦以822.9万美元拍下苏轼《功甫帖》
书画收藏可翻万倍
70年代，北京几个重要画家，如李可染、吴作人、蒋兆和，当时收购价以为45元左右。有例为证，在1964年李可染卖给荣宝斋四张山水得到350块钱，给他高兴坏了。画是三裁的，一张一尺合10块多钱。李可染高兴的说，我的画超过老师的收购价，当时齐白石的画才卖10块钱。
当年45块钱，至少等同于现在拍场上的180万；当年60到90元买的山水画，现在至少能拍出500到1000万，翻了几万倍，并非楼市股市可以相提并论的。
齐白石《咫尺天涯—山水册》成交价1.955亿
未来最富有的将是懂艺术的人
真正在书画投资里面挣钱的人，都是那些尊重艺术，喜爱艺术。当时凭着自己的喜好，在艺术家还没有怎么出名的时候，或者根本就没有出名的时候，就购藏艺术家的作品。慢慢随着市场的发展，当年那些奋斗在市场和艺术领域第一线的艺术家们受到市场的认可并得到投资者追捧，他的作品价格逐渐稳步上扬。因为市场的需求，对其作品的接受程度就更高，投资价值也就逐步显现出来。其实艺术家作品的价格变化，既是投资价值的反映，也是市场选择的结果。
书画艺术品作为我国传统文化精髓，一直源远流长，无论是古代名家书画，还是当代书画家作品，都会随着时间的推移，不断升值，变得越发值钱！
张大千《巨然晴峰图》成交价1.035亿元
来源：微信公众平台
王健林：我的收藏增值1000倍。砸进5000亿后，万达败于文化工业化
王健林说过，“我的收藏增值1000倍，艺术收藏是我人生中最成功的投资”。在砸进去5000亿之后，万达的文化旅游还是失败了，最终文化旅游资产打包贱卖给融创。与迪斯尼的文化工业化相比，万达文化旅游失败的核心原因是没有实现文化工业化，那什么是文化艺术产业的工业化呢？
万达在文化艺术产业的投资达几千亿的非常庞大的规模，其中包括文化旅游、电影工业和艺术收藏。
万达在文化旅游产业的投资最大，达5000亿的规模。电影工业其次，万达电影产业光海外并购就投入了几百亿。相比之下，万达在艺术收藏的投入则是零花钱了。
万达王健林曾经说过，“我的收藏增值1000倍，艺术收藏是我人生中最成功的投资”。王健林的收藏真的增值了1000倍么？王健林在2003年之前买入的书画收藏肯定是增值不少的。但2004年之后，国内一些书画的价格泡沫一度被炒高了100倍，现在国内一些书画的价格又跌回了2003年之前。
在砸了5000亿之后，万达的文化旅游产业还是失败了。最终，万达的13个文化旅游项目打包仅仅作价500亿左右，将91%股权贱卖给融创。与迪斯尼成功的文化工业化相比，万达文化旅游之所以失败的核心原因是万达在文化旅游产业并没有实现工业化。
万达在艺术产业比较成功的投资则是电影产业，万达电影产业之所以成功的核心原因也是因为国内电影产业已经工业化了，叫做电影工业。那么，什么是文化艺术产业的工业化呢？
1，万达的5000亿学费，贱卖地产救电影
万达为什么跳楼价贱卖旅游地产和酒店资产？
万达抛售的77家万达5星豪华酒店都是在各城市的核心地段，总建筑面积325万平方，作价199亿。折算下来每平方米才卖6000元，还带超豪华装修。万达抛售的价格，一下跌回了10年前。6000元每平方米是深圳2006年最核心地段的豪宅价格了。商业地产泡沫破灭了么？
巧合的是：一些书画艺术品的价格也跌回了2003年之前了。
万达交易的酒店资产很干净，没有什么债务。万达酒店资产的年回报率是3%，和银行存款利息差不多。国内一些城市的一些商业地产的投资回报已经低于1%，远低于银行存款。国内的一些商业地产泡沫率先破灭，一些城市的商业地产空置率很高。
笔者经常出差，有时候一个月要走十几个城市。在沈阳和抚顺之间有一个沈抚新城，整个沈抚新城的高楼大厦楼上都快长草了，鬼都没有一个，别说人了。在沈阳市中心东北最繁华的街道，有一些超豪华商场整栋空置，里面狗都没有一条。厦门岛内市区出现一些开发区整片空置。厦门有个艺术区，楼上住宅每平方3万多，楼下商铺要出售，买家报价每平方才几千元。看来商业地产泡沫真破灭了。
艺术品市场也是一样，一些在世名人书画价格泡沫破灭，大画廊和大美术馆几乎全部都是破产倒闭亏损的命运。
广州推出商改住新政策，只能租不能卖，而且租售同权。楼市一些新政砍掉了地产的投资价值，还原为使用价值。“房子是用来住的，不是用来炒的”。
房子应该值多少钱？房子的价格就是20年的租金，高于20年租金的部分就是房子的投资价值。艺术品也是一样，艺术品值多少钱？艺术品的价格也是20年的租金，高于20年租金的部分就是艺术品的投资价值。
移动互联网的普及，现代商业的底层基础已经发生巨变了。在移动电商的冲击下，写字楼和商铺受影响最大，受冲击最大的就是二楼以上的铺面和非临街铺面，空置率高，而且一些租金暴跌10倍。
2008年的全球经济危机起因就是互联网的普及导致商业基础的变化，一些传统产业大规模破产。移动互联网的普及或许会导致下一次的全球经济危机，因为一些传统产业也在大规模破产。
万达在不能全身而退的情况下，甩卖文化旅游和酒店资产，全力护盘电影工业。万达旗下的万达电影上市公司市值已达600亿，正在停牌进行资产重组。
2，万达文化旅游败于没有实现工业化
万达砸了5000亿进文化旅游板块，还是失败了，万达为什么失败呢？
国内旅游产业实现了初步工业化，旅游景区和旅行社实现了初步的分工合作，旅游景区专注于景区建造，旅行社专注于旅游销售和游客输送。
但国内文化旅游产业的文化部分并没有实现工业化。所以万达文化旅游就算再砸5万亿进去，失败还是高概率事件。小公司小规模玩玩文化旅游是可以的，大公司大规模玩文化旅游就属于不可控的大规模赌博，难以避免失败的命运。
这和艺术产业是一样的，国内艺术产业还没有工业化。小公司小画廊可以生存，大公司大规模肯定也是高概率的失败事件。这些年来，国内的大画廊、大美术馆几乎全部都是破产倒闭亏损的命运。
王健林去年说要干掉迪斯尼，可能是王健林看不懂迪斯尼，或者是王健林只看懂文化旅游的硬件部分，就是景区建造和地产部分，但王健林忽略了文化旅游的软件部分，就是文化部分。
迪斯尼乐园的文化部分已经工业化了。迪斯尼从景区建造、电影、到文化IP都是文化工业化的标准模板，所以迪斯尼成功了。万达的文化旅游的景区建造和地产部分可能比迪斯尼还好，但万达的文化旅游的文化部分没有实现工业化，所以万达失败了。
迪斯尼乐园的核心卖点是家庭伦理关系，万达呢？迪斯尼旗下有皮克斯、漫威、卢卡斯等超强的文化工业化机器，万达呢？
现代商业的很多内容都超出一些高级知识分子的理解能力，你看不懂的东西，往往就是自然法则，违背自然法则就是失败的命运。
3，书画艺术品市场如何实现工业化？
国内从农业文明社会进入工业文明社会的时间比较短，一些文化艺术领域的知识分子思想理念停留于农业文明时代，不太懂工业文明的一些基本知识。所以，就有很多人问，“艺术怎么可以工业化呢？”等等这些愚蠢的问题。
在艺术领域，电影艺术已经工业化了，叫做电影工业。音乐艺术也已经工业化了，应该叫做音乐工业，以前也叫做唱片工业。电影和音乐工业化也统称娱乐工业。
那么，书画艺术品市场如何实现工业化呢？举个例子来说明这个问题。
你站在干枯的满是石头的河床上，如何在一望无际的10万个石头里面选出最有价值的10颗石头？书画艺术品市场也是一样，并不是所有的书画艺术品都是有价值的，你如何在10万幅书画里面选出最有价值的10幅，这个就是艺术市场的本质。
现在国内艺术市场的问题核心就是把普通石头标上玉石的价格，泡沫100倍左右，谁买谁死。北京798、上海莫干山M50、山东青州等几乎所有画廊都是这样的，把普通石头标上玉石的价格，虚高来卖，谁买谁死。只有大芬村把所有石头压碎，全部当作建筑材料来贱卖。
10万个石头里面只有10颗石头是有价值的，这个就是优胜劣汰的自然法则，违背自然法则就是失败。10万个画家里面也就只有10个是能够将来能够成名的，这个也是优胜劣汰的自然法则，违背自然法则也是失败。
艺术品的好坏评估是一种经验科学，你看过1000万幅画就有能力评估了，社会上能评估艺术品好坏的人不到1%，99%的人没有能力。经验科学是很难工业化的，艺术品市场如何工业化呢？就拿10万个石头来说艺术品市场如何实现工业化。
把所有石头压碎当作建筑材料，这就是简单粗暴的初级工业化。建立石头分拣中心，把石头分成几十种不同用途，以几十种不同价格供应几十种不同的市场，这就实现了石头市场的初步工业化。
艺术品市场也是一样，建立书画艺术品分拣中心，把书画艺术品分成几十种不同用途，以几十种不同价格供应几十种不同的市场，这就实现了书画艺术品市场的初步工业化。
但这还不是书画艺术品市场的深度工业化。艺术品市场的深度工业化是咋样的呢？请留意笔者关于“艺术银行”方面的文章，为你解释书画艺术品市场的深度工业化。
4，王健林书画收藏的成功与失误
王健林说过他的艺术收藏增值1000倍，万达收藏20年，书画收藏规模达百亿。
王健林的收藏可以分为3个板块，过世美术大师、在世名人书画、欧美美术大师。
王健林收藏的过世美术大师板块肯定是成功的，过世并已经进入美术史的美术大师板块可以跑赢通胀，这些年来价格一直在爆涨。王健林收藏的吴冠中、刘海粟、傅抱石等书画作品的价格已经暴涨了很多倍。
但王健林运营的在世名人书画板块和收藏欧美美术大师则并不见得会成功。石齐是王健林运营的在世名人书画板块的标杆，但这么多年下来，石齐并不见得成功了。
万达巨资收藏毕加索、莫奈等欧美美术大师作品，也并不见得成功，顶多就是烧钱刷了一下存在感和获得良好的广告效应。这些欧美过时100年的印象派和立体主义，已经失去艺术价值，其经济价值早就已经透支而泡沫巨大。
日本当年就是一种缺乏文化自信的土豪暴发户的文化自卑心态，日本当年的教训就是买了欧美过时100年的印象派而巨亏。如果日本企业当年买入的是上个世纪80、90年代欧美刚兴起的当代艺术，则如今已经升值数百倍甚至是数千倍。
从这点来说，王健林的书画收藏既有巨大成功的部分，也有失误的地方。
5，日本当年的地产和艺术市场崩盘
国内企业家海外巨资购买欧美天价艺术品，令人联想起日本经济泡沫时期日本企业疯狂购买欧美过时的天价艺术品的教训。
在上个世纪80、90年代的日本泡沫经济时期，东京的地价可以买下整个美国，日本企业不断在拍卖场大量天价购买欧美过时100年的现代艺术早期的印象派作品。在日本经济泡沫破灭之后，这批日本企业制造出来的欧美天价艺术品低价抛售，其中卖不掉的，现仍保存于日本各银行的当年价值50亿美元，而现在最乐观的估计只值14亿美金，当年制造天价的一些日本企业已经破产。
日本当年的教训是艺术认知陈旧而过世，上个世纪80、90年代，当代艺术已经兴起，而日本偏偏疯狂买入过时100多年的现代艺术早期的印象派作品，艺术认知的愚昧与落后让日本付出了沉重的代价。
一些企业和收藏家巨资购买欧美过时的天价艺术品，正中欧美艺术资本的下怀。近些年，欧美艺术资本有计划地炒高中国艺术品和文物的价格并天价卖给中国暴发户土豪。欧美艺术资本的最终的目的就是把欧美过时的天价艺术品向中国倾销。
一些土豪暴发户浪费巨额外汇购入欧美过时和落后的天价艺术品，这是缺乏文化自信和文化自卑心态的体现，不值得提倡。
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摘要：网贷之家小编根据舆情频道的相关数据，精心整理的关于《1.2亿元人民币！罗伯特·雷曼空白画《无题》究竟暗藏什么玄机》的精选文章10篇，希望对您的投资理财能有帮助。
《1.2亿元人民币！罗伯特·曼空白画《无题》究竟暗藏什么玄机》 精选一如果你在百度上搜索罗伯特雷曼（Robert Ryman），与之联系在一起的往往是“空白油画”和“为什么一幅白色的油画估价高达2千？”当代艺术一直因为过于“玄妙”而常常让大众敬而远之。苏富比的艺术拍卖会就有一件号称是价值（1.2亿元人民币）的油画，神奇的是，这是一幅几乎全白的画。这幅看起来和手纸没多大差别的天价作品，引起了全面讨论。这幅画完成于1961年名为《无题》（untitled）的作品是由美国艺术家罗伯特·莱曼（Robert Ryman）所完成，他的价值估计是1500万到2000万美元左右，几乎是现有艺术品拍卖纪录的2倍。到底是艺术开了个不大不小的玩笑，还是大众真的不懂艺术？《无题》，1961初看一片空白，让人摸不着头绪的作品，其实是探讨绘画表面与光线，空间关系的结果。尽管罗伯特雷曼被艺术史学者们归类为“极简主义”和“概念艺术”画家，而他却认为自己是一个现实主义者。他为此发出过一个生命：我不是一个画家，我使用真实的光线和空间来工作，因为真正的光是绘画的一个重要方面，它总是提出一些问题。”很多人在观看罗伯特雷曼的作品是的样子，身体前倾，歪着脖子，将注意力从画面中心移开，转到画框边界。《系列13号（白色）》，布面油画，42英寸x42英寸，2004有人调侃说这与自家的白墙没什么两样,有人戏称这画的是雾霾中的北京城，更有人大呼：“不懂艺术的世界”、“这叫忽悠”、“真的值上亿人民币吗”......不过，当我们在讨论这张空白的画时，我们是否真的知道在讨论什么？END和合速融看得见的良心平台！公众号IDhhsrong《1.2亿元人民币！罗伯特·雷曼空白画《无题》究竟暗藏什么玄机》 精选二《筑梦路上》，唐勇力用艺术手法还原重要历史事件产生背景。历史与写实：唐勇力《新中国诞生》唐勇力在写实上追求变形，但变形也许不是他的优势，他的优势还是写实。他以写实方法画的素描稿，无论造型、动态，光感还是线的处理，都有很高水准；而变形后的形象却常常失去素描稿的生动效果。我相信，他沿着写实路线探索，更能推动工笔人物画的发展，获得更大成就。这在巨幅《新中国诞生》一画的创作中得到了印证。《新中国诞生》（A），是“国家重大历史题材美术创作工程”课题之一，历时三载，积数百张素描稿和色彩稿，完成作品为绢本，高2米，长8米，计16平方米。刻画新中国诞生之时的63位政府委员。作为工笔人物群像，其尺幅之阔，难度之大，费思费工之巨，可谓罕见。谈到难度，首先是人物的位置安排，这涉及历史人物的身份地位。但事实是，除了中央政府主席、副主席、总理有一定的安排之外，其它委员（不论党内党外），都是自然站立，没有后来那样依照政治地位作严格的礼仪性排序。更大的困难是，当时的照相器材与技术，无法把数十位委员的排列情形拍摄下来，多数委员甚至没有留下在天安门上的照片，而能找到的可参考图片，不是年龄相差太多，就是角度不合用，要么就是形象模糊不清，无法作细致刻画的参考。唐勇力虽访问了一些知情的老人和研究这段历史的学者，但也只能根据大略的记述和艺术的需要，作出大胆安排。2013年，受国家博物馆委，唐勇力再画一幅《新中国诞生》（B）置于国博中央陈列大厅东壁，尺幅扩大到4.8×17.5米，计83平方米，画中人物与真人等大。仍为绢本，工笔设色。为了这幅空前的巨作，唐勇力在何各庄318艺术区租了一间足够高的简易画室。把画绢分别裱在8米高的木板上，再将它们拚起来，交互使用三种作画方式：平舖在地上画，爬上木梯画，站在活动云梯上画。笔者在2013年、2014年，2015年多次探访何各庄画室。地处东五环外，没闹市的喧嚣，小院里种了蔬菜，养了盆荷，进门处隔了一间小廚房，可以烧水烧饭。勇力除了回央美开会、处理教学事务，都在这里作画。为了有足够的体力与精力，他每天在院子里跑跑步。独自作画的漫长过程，大体量的技术性描绘，会产生疲劳、单调甚至麻木感。他形容这是“独自一个人的马拉松”，跑了整整三年！他能够坚持下来，靠的是强大的心理和体力承受力。与A幅相比，B幅的基本框架，人与人、人与环境的关系基本没变。但唐勇力的目标不是对第一幅的单纯放大，而是要在整体气势和细部描绘、形象塑造与色彩处理各方面，都有所超越。难度可想而知——即使单纯的形象放大，其人物位置、姿态和表情的刻画，也都比第一幅更难。国内缺少画巨幅人物作品的参照，他特意到巴黎住了些日子，每天去卢浮宫，对欧洲大师的名作特别是大卫的巨幅《加冕礼》（610×931厘米）作了仔细的研读，以求获得有益的借鉴。为了更好的把握形象，他在绢面上用心画了一遍素描稿。继而把素描稿转画为墨稿。我第一次去，看到的正是完成的墨稿。真人大小的人物形象，有如在眼前的切近感，这是小画幅不可能达到的视觉效果。与A幅比起来，这幅墨稿更深入和精致，人物更加像似，神态更加具体，作为群像的整体感更强。但如何在这样大的绢面上使用矿物性颜料，还缺少经验，只能一边画一边探索。日本画家作“岩彩画”是很少调色的，因为日产颜色种类多，选用就是了。唐勇力坚持用品种较少的国产颜料，某些颜色必须自己调出来，但调出自己想要的矿物质色调，是很难的事情。我第二次去看画，见地上、桌子上摆满了颜色罐，画面已铺上一层大调子，人物与环境的空间还不曾拉开，几位老帅的绿色军装有些灰暗，那种像洗过的明亮黄绿色调还没调出来。我朦胧感到，这件巨大的人物群像，最重要的也许不是每个人的表情，不是节日气氛，也不是色彩的象征性，而是作品整体的时代感和历史厚度。1949年10月初，北京解放不久，战争还在继续，被委任的新中国政府委员，风尘朴朴地从海内外甚至战场赶到北京，第一次登上天安门城楼，还没有明晰的职务与级别划分，而饱受战乱之苦、有着不同背景和政治理想的委员们对“新民主主义”的中国抱着各式各样的设想、猜测、希望和憧憬。这一切，既反映在各个委员的姿情上，也表现在他们的衣着和天安门环境的色彩上。因此，画家的历史认知与情境想像，人物的时代性神态、画面的时代性色调是体现历史真实的关键。我第三次去看他作画，觉得色彩的大关系已经出来，大殿背景适当暗了下去，人物群像与城楼融为一体了，许多人物得到了更具体的刻画，给予特定的灯光，效果可能会更好。勇力说，有几个重要人物的头部还要加工，衣服的时代感还要强化，要利用对群鸽的描绘显现出天安门城楼的空间和画幅的生动感。《新中国诞生》一画（A），原属文化部、财政部组织实施的“国家重大历史题材美术创作工程”，百余幅作品的选题，由中央党史研究室、中国社科院近代史研究所专家拟定，经中办和中宣部审批才实施的。但作品的构思、风格与画法，都出自画家之手。《新中国诞生》之前，已有董希文的油画《开国大典》。如何不仅在画种区别上、也在思想倾向与容量上与该画有所区别，赋予作品新的面貌、新的意义，是画家面对的最大课题。《新中国诞生》的突破首先在选择了刻画63位政府委员群像——这一构思得到了靳尚谊等评审委员们的广泛认可。董希文《开国大典》画的是典礼主席台的核心部分，集中描绘中央人民政府主席、副主席和总理等政府首脑，省略了绝大部分政府委员，而《新中国诞生》描绘的则是主席台全景，即全部政府委员。前者是大典的特写镜头，后者是整体图像；前者着重刻画毛泽东主席宣布“新中国成立了”那一瞬间的历史性形象，他身后站立的只有朱德、刘少奇、周恩来、宋庆龄、李济深、张澜、高岗、林伯渠、郭沫若和沈钧儒等10人；后者则刻画了包括这些领导人在内、在主席台中心向两侧排列开的全部63位党、政、军、民主党派、爱国人士政府委员，其中包括后来被罢免、成为历史“问题人物”如高岗、饶漱石、章伯钧、刘少奇、彭德怀、林彪，以及诸多后来没有声息的著名民主人士等。前者的“省略”性构思是在50年代的政治背景上出现的，后者的“增加”性构思，是在改革开放新时期的背景下出现的。《开国大典》是一种真实，《新中国诞生》也是一种真实。前者以象征性的红色调、蓝天白云、红旗招展的意象，突出了庄严喜庆的节日气氛；后者以实实在在的人物描绘突出了新中国诞生之初对于民主联合政府的建制设想，以及“共和”“民主”为特征的政治意象。比较起来，《开国大典》更多庆祝性的抒情因素，《新中国诞生》更多纪实性的历史叙事因素。《开国大典》的局部截取，《新中国诞生》的全景呈现，与真实的现场相比，都作了重新组织。前者作的是“减法”，后者作的是“加法”。两者的形象组织与调整，是艺术的需要，也透露出不同时期对历史真实不尽相同的理解。《开国大典》经历过两次修改，先后删掉高崗和刘少奇。这种修改有悖于历史真实，是扭曲政治的“遗忘”和“遮蔽”现象。历来的历史画创作，难免遇到“政治需要”与历史真实的矛盾。在这样的情境中，是坚持追求历史真实，还是服从“政治正确”的需要，不免令画家为难。从理论上讲，画家应该坚持对历史真实的追求，坚持历史叙事的真相。但作到这一点并非易事。如果《新中国诞生》创作于“高饶事件”“反右斗争”“彭德怀事件”“文化大革命”时间段，它能过通过政治审查，或者不被权力因素所涂改吗？如果不是经过思想解放、改革开放，画满63个政府委员的《新中国诞生》，恐怕也不能诞生。正是在这样的意义上，我们说“国家重大历史题材美术创作工程”拟定并肯定《新中国诞生》的创作，国家博物馆决定请唐勇力再造一幅在中央大厅摆放的、更大尺幅的《新中国诞生》，都以新的眼光，穿越伤痕累累的历史，再现这一重大政治事件的另一面真实。人类历史写作的真实与遮蔽，是不断出现的事。再现真实要付出代价，但追求真实，始终是人的一种渴求与目标。历史画的“写实”，由精神层面与方法层面组成。精神层面即追求真实和对真实的理解，也就是表达思想。为了表达思想，可以省略或改变某些细节，但不能违背基本的历史事实；表达思想不是任意想像。方法层面即追求写实风格。画家可以有自己对写实风格的理解与把握，但不能有悖于历史真实。以尊重真实为基本原则的写实方法，是创作历史画最好的形式选择。在中国画的诸种体裁中，工笔重彩与写实风格最为接近。因此，在写实主义传统没有得到充分发展的中国，工笔画还有很大的拓展空间。主要使用矿物性颜料的工笔画，不变色，宜于细致刻画，与中国文化传统有深刻的渊源，要传达一种庙堂般的崇高气势，呈现具有重大文化与历史意义的事件和人物，重彩工笔人物画大有发展空间，其自身的完善也大有余地。写实方法与素描训练分不开。素描能通过面部、身体与人物关系的刻画，传达出人丰富微妙的内心世界，以及人与人的复杂关系。画史表明，主要靠线描刻画人物且高度程式化的传统方法，弱于深度刻画，适当吸收素描方法和色彩方法，能够强化其表现力。20世纪中国画的最大变革之一，就是吸取了这些方法，使人物画发生了巨变，增强了表现力。从徐悲鸿、蒋兆和到方增先、周思聪乃至当代人物画的许多代表人物，都不同程度借鉴了素描画法与色彩方法。这是不可否认的事实。画好人物画，第一是造型能力，其次才是笔墨技巧等。中西结合的造型方法，加上中国画的笔墨方法和色彩方法，已经成为中国人物画的基本模式。《新中国诞生》的成功，就是这一模式的果实。其创作过程表明，画素描稿的过程，就是展现写实功夫的过程，亦即深度刻画人物、处理人物关系的过程。当然，人物画的创作，需要处理好素描与线描、西画造型与中国画造型的关系，保证在深入刻画的同时，仍保持人物画的民族风格。各大美术学院的中国画教学，都积累了自己的经验。唐勇力坚持的“线性素描”，以及与之相关的速写、默写等的综合训练，就是这一经验的体现，而《新中国诞生》能在很少图像参考的条件下深入刻画真人大小的63位历史人物，更是这一经验的突出成果。拓展当代工笔人物画，首先要认真研究和弘扬传统人物画。在画史上，有不少大型教化、宗教主题作品，史载如西汉周公礼殿之“盘古三皇五帝三代君臣与仲尼七十弟子”壁画，唐代阎立本“太宗御容、秦府十八学士、凌烟阁功臣”壁画，历代各大寺庙、石窟寺及道观的道释人物画壁等。即使在山水花鸟取代了人物主体地位的元代，还遗留了有极高水准的永乐宫道教壁画。在玩赏性、寄寓性的文人画趋于衰退的现代社会，以勾勒填色为主要技术方式、写实功能较强的工笔画传统，更适合各类公共艺术的广泛需要，《新中国诞生》大型群像的视觉效果，并不比油画《开国大典》逊色。《开国大典》在色彩处理上吸收了民间年画和中国工笔画的因素，但也在一定程度上失去了油画性。《新中国诞生》虽然借用了素描方法，但其完成稿并不失传统本色，在这一点上，它的经验和启示也是值得珍视的。郎绍君2013年9月-2015年11月稿用画笔描绘新中国诞生前言对那些为了新中国诞生而奋斗拼搏甚至流血牺牲的人们充满无限的崇敬，对中国共产党领导下的国家繁荣富强、百姓幸福安康感到由衷地自豪，于是，我怀着这种崇敬与自豪——用画笔描绘新中国的诞生。导语在国家博物馆中央大厅的正中央，有一幅巨型画作《新中国诞生》，描述了1949年开国大典的情景，是继董希文油画《开国大典》之后的一幅同题材的工笔经典力作，启动了用中国传统笔法描绘巨幅画作的开端。《新中国诞生》的作者就是全国政协委员、著名工笔人物画家唐勇力。现邀请唐勇力委员来讲述他创作《新中国诞生》的经历及心路历程，以及如何用中国传统工笔来表现当时那庄严恢弘的伟大时刻及建国者所经历过的波澜壮阔的历史。一、戏剧性承担重任创作《新中国诞生》，有一段比较具有戏剧性的经历。2005年，文化部正式立项国家重大历史题材美术创作工程，组织历史学家选取1840年至2000年期间的100多个重大历史主题，于2006年与财政部联合公布《国家重大历史题材美术创作工程实施办法》，向全国美术家公布选题，由美术家挑选感兴趣的主题进行草图创作，提交到组委会，入选的美术家签署合同协议书后就可以进行正式创作。我当时挑选了关于唐山大地震的题材，因为我是唐山人，曾亲身经历过，比较了解。关于新中国的诞生这一题材，很显然，在100多个重大历史题材中分量颇重，但因已有董希文先生的同题材油画经典作品《开国大典》，很难超越，没有一位美术家来申报这一重大题材。组委会经过协商研究，决定指派专人承担这一创作任务，最后落在我身上。当时安远远女士给我打来电话，说组委会希望我能承担创作新中国诞生这一重大历史题材的作品，我刚开始拒绝了，毕竟经典难以超越，且我已经选定了其他题材。过了大约一周，安远远女士又打来电话，说组委会再次协商后认为，不管在造型能力还是创作经验上，我都是最合适的人选。我有些犹豫起来，毕竟我没有接触过这一历史题材，且涉及国家领导人的肖像刻画，但内心开始掂量起自己如何承担，怎样承担，能否完成。又过了一周，安远远女士第三次打来电话，说你就下决心去创作吧。于是，我算是接受了创作任务。之后，便是一段很长的蛰伏期。我开始搜集、整理、阅读有关那段历史的资料，包括《开国大典》纪录片、《中华人民共和国中央人民政府成立公告》、1949年前后毛泽东同志与民主党派人士的接触、中国人民政治协商会议第一届全体会议的筹备过程等，还专门拜访请教有关的历史学者专家，对新中国成立前后的历史有了比较深切的理解与认识——开国大典掀开了中国历史新的一页，中国结束了半殖民地半封建社会的历史，真正成为独立自主的国家。　　接着，我开始分析研究董希文先生的《开国大典》，这一画作将主题落实在了典礼上，十几位人物侧影，如同瞬间的记者式的眼光来拍摄的侧面照片，表现了当时那庄严恢宏的历史时刻。其实参加开国大典的中央人民政府委员共有63人，包括1位主席、6位副主席和56位中央人民政府委员，在那一霎间，我终于找到与《开国大典》不同的思路，区别于董希文先生将作品落实在开国大典的瞬间时刻，我将作品落实在63位中央人民政府委员身上。　　用美术来表现国家重大历史，如何做到既尊重历史又不仅限于某一瞬间？当时中华人民共和国中央人民政府共有63位委员，但在开国大典举行时，并不是所有委员都站在了天安门城楼上，有一部分委员还在其他地方工作或战斗。于是，我采取了尊重当时有63位委员的历史事实，用浪漫主义创作手法，将其全部画在了天安门城楼上，一字排开，主席在中间，副主席在两边，委员再两边。因为当时的委员还没有具体分工，于是在创作时参考其后来所担任的职务进行了松散的排位。《新中国诞生》的草图出来，得到组委会的肯定后，我便将全部时间用在了深化创作上，直到2009年8月最终完成第一张2米×8米、人物80厘米高的画作。当年9月23日，为庆祝中华人民共和国成立65周年，国家重大历史题材美术创作工程的所有作品在中国美术馆展出，得到了时任国家领导人及美术界同仁的好评。　　在《新中国诞生》的创作过程中，我遇到了诸多困难，尤其是在人物素材搜集方面。开国大典是在1949年，距今已逾60年。我是1951年生人，可以说是新中国的同龄人，对时任领导人的印象最早也要追溯至上世纪六七十年代了，距离1949年也已20年左右，人物的形象变化是很大的。为尽量还原历史原貌，塑造真实的人物形象，必须参考1949年前后的人物照片，于是我遍寻新华社档案室、各级图书馆等多处寻找资料，共搜集了几千张人物照片。人物塑造除年龄有要求外，还需注意人物的高矮胖瘦、形象服饰、表情站姿等，所搜寻到的照片多为人物合影，具体到某个人则比较模糊。在服饰上，主要国家领导人多穿中山装，民主党派人士多穿长袍马褂，归国华侨则多穿西装，服装的样式、颜色等各有差别。这些都需要搜集很多素材进行论证。为了精确到每一个人物，我对63位委员分别进行了反复推敲与仔细研究，并为每个人都单独创作了整体素描与头像素描。因为当时的素描稿是为创作而准备的，画得还不够深入与完美，因此，在作品完成后，我就把素描稿当作独立的肖像画进一步完善，不断加深研究。二、第二幅《新中国诞生》2012年，我在中国美术馆举办了个人画展，其中就有《新中国诞生》。国家博物馆馆长吕章申委员看到后，问我，能不能为国家博物馆再创作一幅？重复一幅已经创作过的画，是没有多大意义的，但想到自己在创作第一张画时还留有些许遗憾，比如因过于借鉴《敦煌之梦》系列的创作手法导致人脸颜色比较重，且画作可以挂放在被称为国家文化祠堂的国家博物馆中，就毫不犹豫地答应下来。　　第二张画可以说是巨幅画，5米×16米，于我而言，这是不小的挑战。因为画作尺幅较大，家里放不下，我便在北京郊区租下了一间工作室，刚开始还辗转于家与工作室两头跑，后来就干脆住在了工作室。从2013年初正式创作到2015年底完成创作，整整花费了三年时间。　　相比第一张，我在第二张上更加强调艺术表现性，并暗自给自己定下一个标杆——创作一幅具有世界水平的名画。于是，我特意飞赴法国卢浮宫去参观学习，虽然里面多是油画，但艺术是相通的，肯定有可借鉴的东西。其中《拿破仑加冕图》是卢浮宫中十分著名的巨幅画作，也属于多人物创作，我每天来到这幅画作前不断地欣赏、分析和研究，反复揣摩画面构成、组织关系处理等有关艺术因素的东西，还拍了很多照片。回国后，脑海中一直有个声音督促自己，必须要画出世界水平，否则这幅画就是失败的。　　绘画的过程，有时是亢奋、有趣的，但更多的是枯燥、乏味与劳累的。毕竟我已到花甲之年，且工作室所处位置比较僻静，于是每当极度疲劳所导致的孤独感来临时，我就在工作室大喊几声，聊以发泄。还好，创作世界水平名画的目标以及师友的鼓励，给予我继续创作下去的动力与毅力，我坚持了下来。　　2015年底，第二张《新中国诞生》终于正式创作完成。记得当时中国美术学院院长范迪安委员激动地说，我参观过多国的博物馆，见过很多世界名画，《新中国诞生》是完全可以与之相媲美的。还有一位刚刚从法国回来的朋友看到《新中国诞生》后脱口而出说，这幅人物画不比卢浮宫的名画差。是安慰，也是鼓励，我当时激动万分——如果从2006年草图创作开始算起，《新中国诞生》的最终完成整整跨越了10年，十年磨一剑，这十年我磨出了一把亮剑。但是对于这幅画，我仍有不满足的地方，比如因过于求精，有些人物画得过实，实的东西多了，虚的东西就少了，艺术是讲究虚实相生的。　　创作《新中国诞生》，也让我对新中国诞生的历史有了更加深刻的感知，对那些为了新中国诞生而奋斗拼搏甚至流血牺牲的人们充满无限的崇敬，对新中国成立后，在中国共产党领导下的国家繁荣富强、百姓幸福安康感到由衷地自豪。这种崇敬与自豪始终贯穿于我的整个创作过程。　　《新中国诞生》采取了中国传统工笔画和传统壁画相结合的创作手法，完全颠覆了以前美术界只有油画才能创作表现重大历史题材的观念。近年来，用中国传统笔法来创作大型画作的现象不断涌现，《新中国诞生》在这方面，可谓开创了一条新路，这也更加说明，中国画也能完成巨幅历史主题创作！三、创作心境、理念及信念我的创作心境、理念颇受唐代特别是盛唐时期绘画艺术的影响，尤其是敦煌壁画，其历经1000多年时间，经过剥落、颜色蜕变等自然的再创作，呈现出新的艺术面貌。每一个壁画的任何局部，都是一幅完整出色的具有现代色彩的作品，形象肌理、色彩气韵等尤为突出。我特别喜欢用盛唐绘画的语言、手法进行创作，创作了《敦煌之梦》《丝绸之路》等系列作品，尝试把现代人的生活理念和古代壁画上的生活方式融合在一起，来表现新时代下大众的审美理念与审美追求。我有个作品叫《童年的回忆》，画的是一位老人和一个小孩，将敦煌壁画的绘画语言与手法，与我童年时期的牛马、耕田等农耕方式糅合在一起，启发现代人来理解今人与古人生活方式之间的关系——用现代人的想法去理解古人，或者可以说将古人的生活融入现代人的观念，包括我之前所创作的《花木兰》《桃园三结义》等其他历史题材作品，都是采用传统手法来表现现代人对古代历史的理解。其实，现代的艺术观念与古代的传统文化有很多相通之处，比如与人为善的道德观念，不管是古人还是今人，都讲求以善为本，只是随着现代社会的发展，对于善的处理方式发生了一些变化。　　艺术家的创作理念大多时候并不复杂，往往是理论家会解读出很多东西来，这是很正常的现象。所谓仁者见仁、智者见智，任何一个事物，不同的人都会有不同的解读，甚至还会出现误读。但有一个标准是艺术家所应该始终坚守的，就是扬美善、抑丑恶。我在教学中，总是提倡学生用美和善的手法、心境去创作作品。当然，艺术家可以选择表现一些丑恶的事物，毕竟现实社会是两面的，有阳光的一面也有阴暗的一面，但不能以丑为美，对丑恶的事物只能是揭露而不是，只有这样，才能让人们正确地认识自然、认识社会。比如欲望，其本身是人的正常心理，是社会发展的重要动力，梦想、希望都是欲望的一种，这些是美与善的，在创作中就可以大力弘扬。而过度膨胀后的欲望，则充斥着丑恶的东西，则需要在创作中进行揭露批判。因此我总是要求学生首先要做一个正直、友善、有诚信的人，对人温良恭俭让，不做有损道德的事情。绘画本身的技法是可以教的，学生也是可以学的，但创作一幅优秀的作品，靠的是画家的思想境界。　　我现在最大的心愿，就是希望大多数国人都能喜欢中国画，会欣赏中国画，并最终把中国画推向世界，让全世界人喜欢中国画、会欣赏中国画。当今的年轻人，受西方文化影响较深，很多都倾向于西方美术作品，对中国画或中华传统文化表现得比较疏离、陌生。推动传统文化的传承与发展，才能使中国文化实现真正的伟大复兴，才能做到真正的文化自信。前年我提交了一个关于开展全民审美艺术教育的提案，建议在高校、中小学、党校等开展艺术审美教育，培养全民在绘画、建筑等方面的审美能力。提案提交上去后，得到了教育部的回应，“十三五”规划中把开展全民审美艺术教育作为一个重要方面写了进去，在教育目标中，以前都是提倡德智体全面发展，现在变成了德智体美全面发展。我今年的提案则将其具体化，提交了关于开展中国画审美教育的提案，建议各级学校能开设关于中国画的课程，让孩子从小学会欣赏、热爱中国画。作为一名全国政协委员，我会将普及中国画、创作中国画，提高全民审美艺术素养作为自身职责坚持做下去。==============================（北京）信息技术服务有限公司公众帐号：yirongw客服热线：400-836-2266官方网站：www.yirongw.com公司地址：北京朝阳区东三环南路19号联合国际大厦乙段5层↓↓↓点击下面“阅读原文”可直接登陆网站《1.2亿元人民币！罗伯特·雷曼空白画《无题》究竟暗藏什么玄机》 精选三中国两千年的艺术史当中，画家的饭碗一直取决于掌控政治与资本的权力之手，而今天的部分大腕画家开始成为权力之手的一部分，开始成为别人的饭碗的掌控者。这对于艺术来说，意味着什么呢？唐代，是所有中国人的骄傲。许多当代人在现实中碰壁、在爱与痛的边缘苦苦挣扎的时候，往往喜欢“梦回唐朝”，但事实上，唐朝人大多在温与饱的边缘苦苦挣扎。唐代 周昉《簪花仕女图》唐代所谓的繁荣强盛，只是相对于前朝或当时其他国家而言。一千多年前的唐代百姓，大多数在温饱线上浮浮沉沉。一个唐代民间画工的工钱与泥瓦匠、木匠一样，每日十五文。如果画匠家中有老父母、妻儿，一家五口，按照开元年间的米价，五口之家每日买米就需十三文钱的开销。除了买米之后，只剩两文钱，还要买菜、衣裳、租、税……吃肉对他们来说，是一件奢侈的事情。如果碰到当天没有开工，那就连这十五文的收入都没有。这就是所谓的唐代“开元盛世”的一个民间画家的真实生活。唐代 阎立本《步辇图》唐朝不是一个自由、平等的社会，它极其讲究等级制度。同样是艺术创造者，民间画家与宫廷画家的差距非常大，能否吃上皇家饭，决定了一个艺术家是天上云，还是脚底泥。相比起民间画家的稀粥白饭，吴道子等有官衔的宫廷画家时常有皇帝的“赐宴”，官员间的“公宴”，作为统治阶层的一员，有着吃不完的宴席和领不完的。唐代 张萱《捣练图》但是我们要知道，虽然唐代的宫廷画家捧着，他们绝不是只会溜须拍马的饭桶；虽然唐代的民间画家工钱低贱、衣食堪忧，但是他们也没有绘画上敷衍了事。唐代涌现大批著名的画家，见于史册者就达200余人。捧着金饭碗的宫廷画家和捧着泥饭碗的民间画家，共同创作出瑰丽、宏大、明快、豪放的唐代绘画艺术，成就了中国绘画史上的一个高峰。宋代的几位皇帝喜欢绘画，是全天下画家的运气。酷爱艺术而著称的宋徽宗设立了画学（艺术学院）和翰林书画院（宫廷画院），把绘画正式纳入科举考试之中，使民间画家有机会捧上皇家饭碗。宋代 赵佶《听琴图》宋代宫廷美术全盛，画院规模齐备，名家辈出。考生进入“画学”之后，按分数分等级，等级不同，所供的饭菜也不一样。但是不管饭菜好不好，朝廷包吃包住，捧上皇家饭碗的画家的“恩格尔系数”降为零。宋代并不是一个对画院画家有着优厚待遇的朝代。宋代等级最高的画家为“待诏”，年薪为：24贯。而当时百姓基本生活费为36贯/年。宰相基本年薪是6000贯，但另外还有数倍于年薪的各种收入。由此可见，如果没有额外的卖画等收入，宋代画家的年薪并不高。今天的公共场所，能挂上一张文艺复兴时期的油画印刷品，算是难得的“有品位”。在宋代，几乎所有的娱乐场所、茶肆酒楼都挂有画院名家的真迹画。当然，如果你在《射雕英雄传》的电视剧里，没有看到牛家村的酒家里悬挂着画作，那是因为那间酒家的档次实在太低。宋代 王希孟《千里江山图》据《梦梁录》记载：“汴京熟食店张挂名画，引观者流连。今杭城茶肆亦如之，插四时花，挂名人画，装点店前。”——所谓的“名人画”，就是宫廷画院的画家之作。在皇家饭只能解决温饱的情况下，民间售画就是很好的副业。宋代生产力的提升，经济市场的活跃，让画家的稻粱谋成为Easyjob对商家来说，花费少许，即可获得宫廷画家的作品，就能拥有接近皇家宗室、上层阶级的品味格调。对画家来说，打一份包吃包住的政府工，加上私下卖画，实在是一个好饭碗。但是我们也要明白，老板一手递给你一只饭碗，另一只手就会递给你一本规章制度。画院制度提高了画家的社会地位，促进绘画的进步和繁荣，催生了更多画家的创作力，同时也对画家创作的意识形态起了约束和规范。吃上皇家饭的画家形成了画院内外一种共同的文化归属感，也形成了共同的美学标准。没有进入画院的画家也逐渐被同化，个体画家必须改变自己的风格以适应画院风，这样才会被社会所容纳，才会被共同的审美认可。宋代的皇家饭决定了院体画的主流地位，画家要想捧上好饭碗，就必须认同院体画的审美。生物学告诉我们，一个男人征服另一个男人的时候，胜利者体内的雄性激素会急剧上升。在元代，征服者和统治者的雄性激素猛涨，但是同时代的绘画却阴柔无比，这是历史对艺术开的玩笑。蒙古族的入侵，打破了画家的饭碗，也砸掉了无数文人的饭碗。元初，废除科举制度，万千学子失去了学而优则仕的梦想。文人的地位一落千丈，所谓：八娼九儒十丐。文人的地位甚至比娼妓还低。为了一抒胸中不平与怨气，也为了打发时光，文人以画作来寄托思想成为风尚。文人画由此兴起。元代 黄公望 《富春山居图》著名的元四家：黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙。只有黄公望早年间做过芝麻官，其余三人都不热衷仕途。元代的许多文人画家大多选择隐居山林，不愿做二臣。他们都觉得男人应该瘦一点，侵略者的饭，不吃也罢。在饭碗与忠贞面前，大多数文人挑选了前者。画家没了饭碗，艺术史也由此改变。元代统治者喜欢举办各种饭局，饭局是一种政治工具，掌权者用这个政治工具来唤起臣子的觉悟，把人群团结在共同的价值周围。元代成就最大的艺术家，同时也是最著名的二臣：赵孟頫，就是统治者饭局的贵宾。元代 倪瓒 《缘渔庄秋霁图》元代国宴的菜谱以羊马肉为主，保留着浓郁的游牧风情。真实的边疆容易打破，饮食的边疆却难以打破。不同的文化意味着不同的菜谱，在菜谱的差异之间，其实是文明的碰撞。菜谱和艺术都是民族性的象征。元代统治者也许根本没有打算融入中原文明，因此他们的饭局也保留着浓郁的游牧风情。元代 赵孟頫 《二羊图》老子是一个对饭碗和饭局很有研究的人，他说：治大国，若烹小鲜。但是，弯弓射大雕的元代统治者既不会治大国，也不会烹小鲜，他们砸碎了许多人的饭碗。很快，他们连自己的饭碗也打碎了。大时代下个人的命运微不足道，元代画家的饭碗被打碎，三餐不继，人比黄花瘦。这是时代对人性最野蛮的蹂躏，这是历史对艺术最残忍的调戏。但是奇妙之处在于，元代九十年的黯淡岁月里，艺术之光并没有消失，反而更加动人。这是文明的坚韧与艺术的伟大。如果说唐、宋是宫廷画家的，那么明代就是江南style的天下。元末画家的隐逸文化，与新朝代的恢弘气象格格不入。明朝初期，以朱元璋为首的皇家、贵族、宗室都出身于最贫困的下层社会，他们无法欣赏元代末期那种内敛、含蓄，带有个人哀愁的文人画风格，马上得天下的皇帝和贵族都喜欢气势磅礴、猛气横发的绘画。在皇室和贵族的支持下，雄浑大气、浓墨渲染、强劲雄健、恣意狂放的浙派绘画占据了画坛的主流地位。这时，画家的饭碗主要来自宫廷与贵族。浙派的两位领军人物戴进与吴伟，都是在得到宫廷的赏识或者成为贵族的门客之后，捧上好饭碗。明代 仇英 《 浔阳琵琶图》到了明代中期，代表着皇室贵族品味的浙派开始走下坡路，随着领军人物的逝去，浙派的画风逐渐流于粗鄙。而沈周、文徵明为首的“江南style”逐渐兴起。整个文化圈的审美意在吴门画派的江南style的影响下，发生了根本转变。浙派画家渐渐无法立足。以文徵明为首的江南style的兴起，象征着江南文人品味的胜利。同时，画家饭碗的掌控者也由皇室贵族，转向了民间的富豪。明代中期，国泰民安和生产力的发展催生了一批新贵与富豪。传统的中国社会，以功名、官位和文采取决定个人的威望与地位高下。尽管商贾腰缠万贯，依然被看成缺乏文化修养的暴发户。商人为了进入主流文化圈，提高社会地位。他们仿效文人举办各种风雅活动，广交文友，与书画家密切往来。明代 唐伯虎 《骑驴归思图》商贾开始为文人画家们提供饭碗。不少画家在富豪的私家园林里吃上了长期包饭。商人的地位由卑微，到与艺术家平起平坐，再到作为主人请客吃饭。商人与画家之间产生了微妙的等级差别。如果说明代之前，画家的饭碗由皇室贵族决定，明代中期开始，巨贾豪富就成为画家饭碗的掌控者。开始掌控画家的饭碗，商贾的品味开始影响艺术史。清代历朝的画家繁花齐放，有史可稽的画家多达近六千人。事实上，清代有能耐的画家，无论宫廷内外，大多能捧上一个好饭碗，过上吃肉的好日子。异族入侵，改朝换代之初，文人和画家通常对新政权持敌对的态度。清代建国之初也不例外，清初的著名画家中除了王原祁和王翚之外，“六大家”、“四僧”和 “金陵八家”中的大多数都选择了远离仕途。他们有的生于明代的富豪宗室，家产丰厚；有的以占卜算命、私塾坐馆为生，大家都不愿意吃新朝代的皇家饭。清代 金陵八家之一 龚贤《木叶丹黄图》比起在连绵不断的文字狱中遭受无妄之灾的清代文人，皇帝们对画家还算不错，历代皇帝都很重视绘画。到了清代中期的康乾年间，宫廷画家越来越多。乾隆年间的宫廷画家分三等，月薪分别为：11两、9两、7两。当时一亩良田约售价10两。但是好待遇并非一成不变，工作是否勤勉，艺术水平有无提高，又或者皇帝品味的变化，都可以影响画家们的薪酬变化。如有退步，轻则降级，重则革职。比起明代洪武年间，画家有违圣意，即可问斩，那是天壤之别了。清代 郑板桥 《丛竹图》康乾盛世，不但宫廷画家的皇家饭吃得香，民间个体户画家同样吃得开。清初戏曲家、美学家李渔在谈美食的时候说：“蔬菜第一，谷物第二，肉食第三。”—— 郑板桥等人肯定不同意李渔的说法，他们觉得还是吃肉比较好。郑板桥自述在1748年卖画收入纹银1000两，而当时县官的基本年薪只有100两。彼时民间经济发达，以江南盐商为首的新贵巨贾给民间个体画家提供了新饭碗。清代后期，道光至宣统年间，中国逐渐沦为半封建半殖民地的社会，画坛也发生了急剧变化。宫廷画家的皇家饭越来越不好吃，士大夫文人画也日见衰微。在对外开放的商业城市上海和广州，分别出现了“海上画派”和“岭南画派”，开启了近代和现代的画风。画家的饭碗逐渐向民间倾斜。随着清廷的灭亡，皇家审美体系的解体和新文化运动的兴起，民国画家一分为三：1、岭南派（高剑父、赵少昂、关山月）与江南画家（黄宾虹、张大千、吴湖帆、傅抱石、丰子恺）；2、齐白石与京津画家；3、徐悲鸿、刘海粟等中西合璧留洋派。前两类画家的饭碗来自明码标价，公开售画；后一种留洋画家则办学授徒居多。清代之前，公开售画无疑是惊世骇俗；晚清时期，明码标价还属有失斯文之举。到了民国，已经没有人对公开售画有异议了。民国 张大千《爱痕湖》民国时期的字画市场很发达，几乎所有画家都挂榜卖画。战乱频频的民国，经济混乱、，民间以收藏名家字画为保值手段。因此，民国画家的饭碗还算丰裕。以1913年吴昌硕的润格为例：堂匾2两、斋匾8两、楹联三尺3两、四尺4两。而冯玉祥将军回忆他的20世纪初的河北农村生活：“我们在这里住了十余年，只吃过一次荤席，然而那所谓的荤席者，也不过每碗里盖了两三片飞薄的猪肉而己。”民国字画市场商业化程度越来越高，意味着画家的饭碗更加多元化。除了传统小圈子中的流转、交易，民国字画市场还出现了美术社团、画铺、润格制度、书画中介人，以及报纸杂志的广告宣传，等等新兴的商业手法和宣传手段。民国 徐悲鸿 《奔马图》民国画家的饭碗一是来自商业化程度越来越高的市场；二是来自商界和政界的赞助人，如严信厚、朱佩珍、黄金荣等人。中国现代写实主义的奠基者徐悲鸿，就是由犹太大亨哈同的总管姬觉弥赞助日本留学。就在河北农村十年吃不上一回荤席的20世纪初，徐悲鸿和蒋碧薇在日本半年之内轻轻松松花光2000块大洋，扛着大批艺术书籍和艺术珍品欣然回国。1928年国民党大佬吴稚晖赞助3000大洋，让徐悲鸿在南京买宅基地。当时商界、政界的赞助人对画家不可谓不慷慨。民国之后，中国少有不求回报的艺术赞助人。50年代到70年代：我们的祖国是花园49年之后，美术学院和画院的专业画家捧上国家铁饭碗，除了领工资之外，还能私下卖画。50年代至文革前，北京的琉璃厂、荣宝斋仍有字画出售，以京津画家为主。据史国良的回忆：当时的齐白石和徐悲鸿不过几元、几十元，过百元就很高了。在平均主义的分配制度之下，其实等级分明，各家的饭碗大小不一。大多数专业画家捧上铁饭碗，有的同志却很幸运地捧上金饭碗，例如齐白石老人。齐白石出任中国画院名誉院长一职，在周恩来同志的嘱咐下，每天由西单曲园酒楼给齐白石送两顿家乡风味的饭菜，想吃啥就做啥，国家付账。后来又改为每月发500元生活费，由家属代办伙食。毛主席在50年设宴款待齐白石，由朱德作陪。掌权者与画家的这一次饭局，礼仪与历朝历代繁复的皇家宴席不同，并没有皇家宴席的象征性、壮观和威权，只是一顿热情的便饭。中国数千年来，从来没有一个掌权者邀请画家吃一顿不讲礼仪、不分尊卑的便饭。掌权者的餐桌礼仪的巨变，意味着国家文化与意识形态的剧变。随之而来的，就是艺术形式和内容的剧变。新中国 齐白石 《虾》文革期间，几乎所有著名画家都饭碗难保。受到“反动黑画”和“文艺黑线回潮”的牵连，大批画家被打倒在地。他们能在牛棚和干校里平平安安混个两饱一倒，算是家山有福、祖荫庇佑。同时，非专业的画家走到前台，大众成为艺术创作队伍的主流。工人、农民、战士、学生同样可以是画家，画家的饭碗被乌合之众抢走。文革结束，文化部给画家平反、摘帽。黄永玉、黄胄、李可染、吴作人等名家的画作再次摆进琉璃厂，大概二、三十元一平尺。70年代末期，史国良、范曾、崔如琢等年轻画家也开始卖画。史国良三元一尺，范曾五元，后来又升到七元，让众人很是羡慕。——他们之中想象力最疯狂的人也不知道，二、三十年后，他们的画作售价过百万、千万，他们一一成为捧着金饭碗的巨富。星星美展、85新潮之后，中国画坛逐渐两分天下：体制内画家和当代艺术家。90年代之前，体制内画家与大众一样，捧着铁饭碗，吃不饱饿不死。90年代开始，美院、画院的专业画家开始卖画。以F4为首的众多当代艺术家也开始卖画，艺术圈至今流传着无数当代画家的第一次卖画，无一例外地手颤抖着数钱，卖画之后请穷伙计们吃饭。从90年代到新世纪，体制外能够成功的当代艺术家还是少数，大多数圆明园、宋庄的画家都是三餐不继。马越在《长在宋庄的毛》里写道：“这家伙都好几天没见油腥了，天天吃馒头喝盐水，半个月拉不出屎来，眼珠都不转了。”这也许是不少北漂画家的写照。张文斌 《荷塘月色》进入新世纪，随着艺术品市场的份额越来越大，体制内外的许多画家都捧上了好饭碗。今天的画坛三分天下：画院水墨、美院写实、当代艺术，各自有各自的饭局。艺术品市场前所未有地昌盛，画家过上了前所未有的好日子。但是与此同时，艺术对中国大众的影响却前所未有地小，大多数圈外人并不了解捧上金饭碗的画家；西方艺术标准对中国的影响却前所未有地大，除水墨画之外，大多数画家的饭碗要取决于西方的标准。与以往所有朝代都不同，今天的画家饭碗已经不是一个人的事情，同时涉及到工作室的团队、画廊、拍卖行、、运输业、经纪人、、美术馆。大腕画家的跨界活动，使得他们的饭碗与更多人的饭碗联系在一起。在全球化的大时代，艺术也开始产业化和化，画家的饭碗与艺术的内容一起也发生了本质的变化。中国两千年的艺术史当中，画家的饭碗一直取决于掌控政治与资本的权力之手，而今天的部分大腕画家开始成为权力之手的一部分，开始成为别人的饭碗的掌控者。这对于艺术来说，意味着什么？这是明天的艺术史将要记载的内容。《1.2亿元人民币！罗伯特·雷曼空白画《无题》究竟暗藏什么玄机》 精选四近日，有一幅画刷遍了朋友圈，对！就是下边这张。这是已故美国抽象艺术大师汤伯利的作品《黑板》，创下7053万美元（4.49亿人民币）的高成交价！而画面上是黑板上6行的连续圈圈，就像小朋友的涂鸦一样。据称这是画家坐在朋友肩上，让对方随意晃动，用粉笔在黑板上不间断画出的线条。消息一出便引来各路网友围观，大家纷纷表示自己的才华被埋没。其实，近些年来此类天价画作的成交量也是蛮多：这幅让人想起客厅里红色窗帘的画作，来自艺术家Lucio Fontana。而这幅画的成交价格是150w美元！这幅来自艺术家 Mark Rothko 名叫《无题》的作品，像极了早些时候装了红玻璃的木头窗，而它在拍卖会上拍出了2800w美元！天呐！艺术家 Gerhard Richter 也放出大招，这张名为《血红色的镜子》的作品，拍出了的价格。到这里，小编已经有些恍惚了。想起来小时候好几次打碎邻居家的彩色玻璃窗，心里倒吸一口凉气。这是艺术家 Ellsworth Kelly 的作品《绿白》，名字浅显易懂，可深层次的涵义你恐怕看不明白了，这幅画最终以165w美元成交。唉，只怪自己当时太年轻，naive啊！Christopher Wool这幅价值500w美元的作品《蓝傻瓜》，名字听起来怎么就怪怪的。。。想挣380w美元？学学艺术家 Barnett Newman在纸上画两道吧。或者跟艺术家 Blink Palermo学学画方块，这幅名为《无题》的画作最终以179w美元被拍下。我仿佛看到了画面中一望无垠的蓝天和苍茫的大海上漂浮的美元...看完这些我瞬间觉得，高更这幅1892年创作的作品《你何时结婚？》创纪录的3亿美元成交价，简直太值了好么？！艺术家willem de kooning的作品《女人III》，最终以1.375亿美元成交。Franz Kline作品《无题》，以4040w美元成交。Robert Ryman作品《无题》，以1500w美元成交。艺术家Jackson Pollock的作品《1948年第5号》，被拍出了1.4亿美元。。。小编表示小时候也是学过美术的人啊！现场作画一张！励志要做个画家~~~不要1000w，也不要2w5，只要988！如果进货量大，价格还可以谈！（来源：视觉志）*如有合作、投稿意愿，请直接回复小编接洽具体事宜哦。分金社：国内首家专注于“互联网+特殊资产”处置交易变现平台分金社
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精选五6月下旬，股市疯牛还是停下了它狂奔的脚步，A股市场随即进入盘整期，不少离场，纷纷寻找下一个投资洼地。于是，艺术品悄然走到镁光灯下，被称为是继股市、楼市之后的第热点，理由就是中国市场巨大的艺术品交易量和中产阶级带来的巨大潜力。《TEFAF2015全球艺术品市场报告》中的数据显示，2014年全球艺术品市场总交易额创历史新高，超过510，同比增长7%，按价值算，全球艺术品交易主要由美国（39%）、中国（22%）、英国（接近22%）三大艺术品市场主导。相遇容易相加难数据显示，全球艺术品市场正在发生变化。不似20世纪80年代的大红大紫，印象派和后印象派2014年受关注度有所下滑，在艺术品市场总交易额中的占比仅有12%，齐白石和莫奈的作品对这一板块的总销售额贡献了26%。战后和当代艺术成为绝对的主角，占所有艺术品市场总交易额的48%，该板块虽然售出了超过45200位艺术家的作品，但总销售额集中在一批为数甚少的艺术家身上，仅不到1%的艺术家能卖出超过的高价，90%的艺术家作品成交价低于。安迪·霍沃尔成为销售额最高的艺术家，对这一板块销售额的贡献超过8%，《猫王三重影》于2014年9月在佳士得拍出8190万美元的高价。现代艺术品成为全球艺术品市场的第二大板块，占比28%。尽管战后和当代艺术是第一大板块，但2014年成交价最高的作品却是阿尔贝托·贾科梅蒂的青铜雕塑《二轮战车》，2014年11月在苏富比拍卖行纽约分行拍出1.0。与22%的市场份额同样亮眼的是2014年艺术品市场上的中国买家。中国女商人张兰在佳士得拍卖行纽约分行以1050万美元的价格拍得一件安迪·霍沃尔的作品，并以创纪录的1860万美元的价格拍下一件马丁·基彭伯格的作品。传媒大亨王中军在纽约苏富比拍卖行以6180万美元拍下一件梵高的作品，有报道说这是中国收藏者在海外为西方艺术品支付的最高价。中国买家开始在海外显现出更大的影响力。巨大的交易量数据和中国买家的亮眼表现，似乎都在暗示，中国的艺术品市场是一片蓝海，金融资本介入后，定会擦出不一样的火花。说起来容易做起来难，艺术遇上金融，不是简单地相加，而是两个行业的激烈碰撞。艺术金融是以艺术品为开发出新的金融产品及相关衍生业务。国际上由政府支持的非营利性艺术银行以及的艺术银行业务，投资艺术品组合的，将担保、理念引入的艺术品按揭和艺术品抵押，保障艺术品安全的艺术保险，包括2010年以来盛极一时、被国家监管部门紧急叫停的艺术品类份额化交易，都属艺术金融的范畴。艺术市场：依然在等待面对这片“蓝海”，围观的金融机构却大多表示“水太深”。如此含蓄的措辞背后是对艺术品市场表现的疑虑，对的踌躇，也是对艺术品会成为继股市和楼市之后第三热点这一判断的不认同。浸淫艺术品市场多年的行家更能看清这背后的一切，巨大的交易量并不能说明艺术品市场的火热，甚至难以轻易排除的可能。正所谓“理想很丰满，现实很骨感”。2015年春拍中国市场的表现，使得这骨感的现实越发“瘦骨嶙峋”。雅昌艺术市场监测中心不完全统计，截至6月31日，2015年春拍中国艺术品拍卖市场成交额为244亿元，同比下降27.2%，成交量同比下降40%，成交率同比下降12.89%。100万元以上的作品数量同比2014年春拍也出现不同程度的下跌。虽有潘天寿的代表作《鹰石山花图》拍至2.79亿元，创造了潘天寿作品的世界纪录，李可染的革命圣地山水巨制《井冈山》拍至1.265亿元，但这两幅过亿作品对书画市场提振作用有限，不少估价千万元的作品流拍。油画与当代艺术板块的表现亦乏善可陈，除20世纪早期油画表现平稳外，以刘小东、方力钧为代表的当代油画主力军集体缺席，写实油画以及当代艺术均遭遇下滑，高价作品较少，年轻新锐艺术家往日锐气难现，作品成交价格多偏低。从春拍的表现来看，在艺术品市场调整期，资金进入更为谨慎，多锁定在精品，普通拍品需求减弱。中国嘉德公司董事总裁兼CEO胡妍妍评价当前的艺术品拍卖行情时说道：“我们依然要等待宏观经济的繁荣发展，为艺术市场注入活力。”多数艺术品还在裸奔艺术市场等待的不仅仅是宏观经济的繁荣发展，还有一份安全。据不完全统计，在全球范围内，因艺术品失窃而造成的损失，每年都在50亿美元以上。就涉案金额而言，艺术品失窃仅次于贩卖毒品和走私军火。可惜的是，给艺术品投保的意识在我国并不强烈，甚至可以说是淡薄。2011年故宫失窃就是一个例证。当年5月故宫博物院发生盗窃，7件展品被盗，追回的金錾花嵌钻石手袋腰部有严重的变形,内部的镜子已经破碎。这里我们且不谈失窃物品的价值几许，可这7件藏品总计仅31万元的投保额实在令人瞠目。以故宫博物院的资深与专业，对艺术品投保尚如此敷衍，其他大多数艺术品收藏机构的态度恐怕不难想见，更遑论个人收藏者。收藏者投保意识不强，投保率自然极低，这使得按照大数定律运行的不敢接单，更没有动力来发展针对艺术品的。于是乎，我国绝大多数艺术品还在裸奔中。这方面，西方的做法已日趋成熟，许多保险公司都有艺术品，如丘博、圣保罗旅行者保险公司等，安盛艺术品保险公司则专门提供艺术品保险与服务。如本文开头提到，2014年全球艺术品交易额达510亿欧元，中国占22%，按1%的费率计算，即使只有50%的艺术品投保，就有相应的5600万欧元的市场规模，更不必说没有在公开市场交易的艺术品了。我国也不是没有看到艺术品市场前景。在2010年年底，保监会与文化部联合发布《关于保险业支持文化产业发展有关工作的通知》，确定了11个试点险种，其中就包括艺术品。人保、太平洋财险、中信保为三家试点公司，试点经营期限为2年。而直至2011年8月，才有了国内保险第一单，中国人保财险北京分公司为总价值1.2亿元的29件艺术品提供的从馆藏、展览到运输各个环节的艺术品综合保险保障。平安财险也曾推出过艺术品综合保险，主要承保一些现代字画、雕刻和瓷器，但对古书画等非常珍贵的艺术品则要“特别约定”，这恰是需要承保的主对象。我国艺术保险产业链还不完整，承保后还须借助国际进行分保。艺术一片蓝海，但要在这海里徜徉，我国险企要做的还有很多。类份额化交易：反思疯狂的2011提到艺术与金融擦出的火花，2011年天津文交所艺术品类份额化交易不得不说。当年1月，画家白庚延的作品《黄河咆哮》和《燕塞秋》在天津文交所挂牌上市，标价分别为600万元和500万元，按份额交易模式，两件作品被分别拆分成600万份和500万份，每份1元，门槛5万元，T+0交易方式。上市之后，涨势凶猛，每份价格一路涨至17.16元和17.07元。如此计算，《黄河咆哮》的价格已然过亿，而《燕塞秋》也高达8500万，两幅作品平均每平方尺价格均超过80万元。而在2010年3月，北京保利对白庚延《黄河畔》进行的无底价拍卖，每平方尺还不足126元，涨势之猛、泡沫之大令人咋舌。同一时间，各地文交所迅速兴起，大都上演着类似的剧情。最终，日，国务院下发《关于清理整顿各类交易场所切实防范金融风险的决定》(俗称“38号文”)，明确各地文交所开展的艺术品份额交易确系违规，属叫停之列。此后中宣部、文化部、广电总局、新闻出版总署又联合下发《加强文化产权交易和艺术品交易管理的意见》(俗称“49号文”)，进一步督促各地方政府清理整顿当地文交所。进入2012年，国务院又接连发布《关于清理整顿各类交易场所切实防范金融风险的决定》和《国务院办公厅关于清理整顿各类交易场所的实施意见》。此后半年内，全国大部分文交所都通过回购等方式，相继退出艺术品份额化交易并转型邮票、钱币的投资以及其他业务。回顾这场疯狂之举，交易规则的多变及监管的缺位显然是主因，而对艺术品类份额化交易方式，观点也分成了两面。一方认为，尽管后来被发文取缔，但艺术品份额化交易却将高冷的艺术品投资大众化，普通民众也可以通过买卖份额来参与艺术品投资。另一方则指出，艺术品不同于股票，价值评估与人们心理息息相关，升值与否不可预期，且较差，切割成份额化交易会使得流动性进一步受阻，所以艺术品压根就不该进行类似股票的份额化交易。或许，类份额化交易本身并没有错。要知道，在艺术品类份额化交易出现之初，一段时间内一直是被当作创新之举来宣传。疯狂的背后究竟是哪儿出现了问题？在北京大学文化产业研究院副院长陈少峰看来，艺术品类份额化可以有，但文交所需要把控风险。天津文交所2011年的疯狂是由于其交易佣金收入与交易频次挂钩，交易越频繁则佣金收入越多，天津文交所活跃的企图推高了艺术品的价格，酿成泡沫并最终破灭。：少安毋躁顾大局除却艺术品类份额化交易，金融机构早已按捺不住，将资本运作的思维与方式运用到艺术行业。艺术及艺术信托就此产生，将投资者的资金聚集起来，交由专门的机构投资艺术品市场。西方的运作模式主要有三种：艺术品组合、艺术品对冲投资模式和艺术家信托投资模式。法国的熊皮基金和英国铁路在这方面最具代表性。熊皮基金通过运作造就了梵高、毕加索等艺术家的艺术巅峰。2007年，民生银行从银监会获准了中国第一个“艺术基金”牌照，于同年6月18日推出“非凡——艺术品1号”，近现代书画、中国当代艺术品和少量古代书画作品，限两年，成为中国艺术品市场金融化的标志性事件。2009年，建设银行联合保利文化艺术有限公司以及中国有限公司推出了我国首个，即“国投信托·盛世宝藏1号保利艺术品”。这一产品的发行吹响了国内进军艺术品的号角，随后，中国进入上升通道。在经历2011年的高速发展后，发行规模达55亿元。2013年，相关监管部门就艺术信托、艺术基金等不同形式的艺术金融探索，表达了对市场严控的观点和态度，艺术信托陷入迷茫期，业内流传，有30多亿元的艺术品面临到期兑付困难。数据显示，2014年艺术品数量跌至个位数，总的发行规模不足10亿元。艺术基金、艺术信托2~3年的封闭运行期，将金融机构急功近利的特性暴露无遗。在如此短的时间内，要实现艺术品价格的提升就免不了炒作的行为。这或许正是艺术在与金融的结合中遇到的主要问题。国外成熟的市场体系，封闭式艺术品运行时间一般在7~10年，甚至更长。艺术品较合理的时间至少要10年，能有20年会更好。英国铁路养老最初规划其艺术品投资计划时，设定的销售期就是25年，也有部分资金用于展览和推广艺术家、艺术品的价值。涉足艺术品投资服务的外资银行也很注重推广艺术品价值。如瑞银的艺术银行（Art Banking）是一个成立30余年的收藏和顾客服务机构，其收藏系列包括钱币、古董、传统绘画乃至当代艺术，不仅时常举办收藏作品展览，还运用网络策划各种艺术展览。所以，金融机构在发起艺术基金或艺术信托时，不妨将目光放得更为长远一些，借助专业机构的力量，遴选有潜力的艺术家的作品，长期持有，既能得到投资回报，又培育了整个艺术品，何乐而不为呢？艺术：改变来袭在一片互“联网+”与金融混业的浪潮中，艺术行业也顺势改变着自己的商业模式。较为典型的是成立于2007年的英国Borro公司，它将互联网、艺术品和奢侈品鉴定估值、典当和拍卖业务结合起来，创造了一种新的商业模式。急需用钱的客户通过网站或电话提出典当申请，然后在线下将自己收藏的艺术品、珠宝等物品交给公司抵押，一般3天之内就可拿到贷款，贷款金额最高可达抵押物估价的70%。如果客户没有按时赎回，公司则会通过自己的拍卖网络将物品以尽可能高的价格卖出，并将拍卖抵押物所得超过抵押金额的部分悉数返还给客户。在国内，互联网企业也在以不同的形式挖掘与艺术相关的业务，淘宝拍卖会频道专门设有有艺术品一栏。7月26，淘宝网携手博观拍卖举行《玲珑美玉》名家精品无底价拍卖会，首次尝试线上线下信息共享、同步拍卖，算是一大进步。新兴艺术品电商也在蓬勃兴起，涉及艺术品展览、拍卖、交易、融资、理财等多项业务。据报道，目前艺术品电商的数量已达2000家左右。但网上艺术品交易如何保真并安全运输成为潜在买家关心的话题。对比来看，Borro取得快速发展的重要原因之一就是其来自佳士得、苏富比和博物馆等一流机构的庞大的优秀鉴定估值师网络，得以精通各个门类艺术品和奢侈品鉴定和估值。据英国Hiscox保险公司发布的2015艺术品在线交易报告显示：2014年全球艺术品网上交易额从2013年的15.7亿美元增加到26.4亿美元，同比增长68％。据AMRC艺术市场研究中心估算，2014年中国艺术品网上交易额大约45亿元人民币。画界网创始人郭玉在2012年就提出中国画廊的联盟与移动化。她认为书画市场潜藏着巨大的价值，需要搭建一个艺术市场综合运营平台，将艺术家、收藏者、评论者、画商与市场充分融合。这个平台的运营者需要具备丰富的管理经验和一定的艺术素养，同时懂得如何借力互联网开展艺术品经营。这样，才能充分挖掘艺术品市场这一宝藏。从西方市场来看，艺术金融能够助力艺术行业实现大的发展，金融也能从对艺术品的中获益。然而，二者之间要想擦出无比绚烂的火花，我国眼下的艺术金融市场还需要双方的包容、耐心以及高瞻远瞩的胸怀。金融服务有限公司https://www.caihuohuo.cn/中国第一家自己的平台。资深投资人——站在投资者的角度，最大限度保证投资人的利益！媒体人士——保证平台公开透明，拥有绝对话语权！专家——保证平台规避风险，向上运转，为更多的投资人提供收益！发起成立财火火的根本目的是为投资人构筑一个理财避风港，《1.2亿元人民币！罗伯特·雷曼空白画《无题》究竟暗藏什么玄机》 精选六“当世界变动的这么快，当我们置身在这么多加速前进的力量之中时，我们需要暂停、需要静止、需要反思、需要重新想象。”艺术世界创造的2017年，在世界经济总体趋势的带动下，一次又一次给人惊喜、灵感与震撼……高端市场的复苏无疑为艺术生态注入了信心，这一年，我们见证了不断攀高的拍卖纪录，艺术与政治愈加紧密结合，东西方艺术文化交流更趋常态化，公共艺术机构拔地而起，让艺术真正能被大多数人“感同身受”。天价拍品2017的拍卖场，明星拍品云集，竞价过程更可谓惊心动魄。每一次新纪录的落槌，整个艺术界的声浪也随之此起彼伏。大事件不胜枚举，从5月份日本电商大亨前泽友作以1.105亿美元拍得巴斯奎特《无题》起，拍卖界的成交纪录就不断地被更新、被打破。▲巴斯奎特 《无题》，苏富比纽约 印象派及当代艺术晚间拍卖成交价：110,487,500 美元10月份，香港苏富比拍卖行，难得一见的北宋汝窑天青釉洗以约合2.39亿元人民币的惊天价创下了中国陶瓷新纪录。▲北宋 汝窑天青釉洗，苏富比香港成交价：294,287,500 港元11月，同样出自乐从堂收藏的五彩鱼藻纹盖罐，以 213,850,000港元的成交价，不负众望。▲明嘉靖五彩鱼藻纹盖罐，佳士得香港成交价：213,850,000 港元▲达芬奇《救世主》，佳士得纽约 战后及当代艺术晚间拍卖成交价：450,312,500 美元而今年最为万众瞩目的达·芬奇，最后一幅可流通画作《救世主》4.503亿美元成交，至此，世界拍卖史上最昂贵的艺术品诞生。大都会前任馆长托马斯·坎贝尔却对这幅作品的修复、保存问题发出质疑，再次成为话题焦点。12月初，达·芬奇《救世主》藏家身份谜底终于揭晓，就在不久前的11月11日，十亿美金打造的阿拉伯世界首座全球跨文化博物馆，阿布扎比卢浮宫终于整装待发，同时也宣布接手并将展出这幅近30亿人民币的瞩目巨作。▲齐白石《山水十二屏》，北京保利，成交价：931,500,000RMB12月17日，北京保利十二周年秋季拍卖会上，齐白石于1925年创作的《山水十二条屏》以9.315亿元人民币成交，刷新全球中国艺术品成交记录。齐白石也因此成为了首位加入1亿美元世界的中国艺术家。2017年世界经济增长明显回升， (IMF) 数据显示，2017年世界GDP增长率比2016年上升0.4个百分点。其中，发达经济体GDP增速为2.2%，比2016年上升0.5个百分点；新兴市场与发展中经济体GDP增速为4.6%，比2016年上升0.3个百分点。艺