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简介：本文档为《[应用]沪教版小学语文四年级(下) 2小溪流的歌 课文预习练习和课后练习答案doc》，可适用于初中教育领域，主题内容包含应用沪教版小学语文四年级(下)小溪流的歌课文预习练习和课后练习答案小溪流的歌一条快活的小溪流唱着歌,不分日夜地向前奔流。山谷里不断响着他唱歌的回声。符等。
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资料评价：有时候躺在床上，感觉身体里一股劲涮的冲向脑袋顶然后就没了。这是什么情况_百度知道
有时候躺在床上，感觉身体里一股劲涮的冲向脑袋顶然后就没了。这是什么情况
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如题 尝试过先拳 再到腰转、送肩发力，但总感觉没有协调感。也没有威力。见笑了~求各位指点。。。
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应该是走错组了兄弟。太极拳不以练寸劲为主业。
这个说起来简单——从脚到手劲练顺了，怎么打怎么有。练起来真的很难——要把从脚到手的所有的肌肉骨骼都练的听话，都往一处走最牛逼的老师也不敢保证一定能教会啊
寸劲？如果说的是咏春的，看来兄弟来错组了~ 我学过杨、陈太极正在学形意，听说过有人练形意练得能几乎全身放松就只有手指尖把力送出去，也是听过而已，没见过。
谢谢大家哦
所谓内家拳都有寸劲啊，太极拳实战觉胜负，那也是寸劲啊。
要想练寸劲的话，可以练咏春。我个人是这么理解的，一般来说长劲发人为主，劲走圆，和支撑力关系很大，比如太极拳，但是利用身体的开合，打出的力道可以非常刚猛，所以有人说太极拳软绵绵的，只能说他没有见过发劲刚猛的太极拳。还有一种是短劲，特点就是脆，快，直，劲的路线距离短，寸劲就是其中一种，练寸劲一个 是要求速度，一个是要求爆发力~这两个特别重要，可以来我们传统武术小组看看
我练习寸劲，当初是从心意拳中得到模糊的感觉，再后来，锋利小刀的格斗教室令我清楚地感触到寸劲的内涵。这个东西，根本没有人们想象中的那么神，就是一种震撼和穿透的效果。还有，寸劲和寸劲也不一样，有双方距离较远，长途奔袭式的寸劲，也有扭在一起，身贴身的锤击状的寸劲。如果真想快速感触寸劲，看看老李的轨迹拳，是一种很好的途径。马胜利先生的心意拳也是我的启蒙教程。
拳击手的勾拳，那是实在的寸劲。
引用 的话：要想练寸劲的话，可以练咏春。我个人是这么理解的，一般来说长劲发人为主，劲走圆，和支撑力关系很大，比如太极拳，但是利用身体的开合，打出的力道可以非常刚猛，所以有人说太极拳软绵绵的，只能说他没有见过发劲刚...涨之势啦
说太极不擅长寸劲的可以看看陈伯祥的发劲，其实“寸劲”这个说法在我看来是很外在很不专业的一种表达。如果你全身练顺了的话，从脚到腿到躯干这已经是很长的一段劲了，就算你不发出去，做个定式也能明显感觉从脚到手是很长的一股劲。用手打出去那一段距离和身体上这整股劲比起来都是很短的。常听说这个拳适合练防守，那个拳适合练进攻，南拳北腿各自怎么怎么样，这些说法都很片面。练拳就像爬山，不同的拳种像是各个小路的爬山人，当你到达山顶的时候才发现其实没什么区别，只有在半山腰的时候你才会觉着别人练的和你不一样。一说陈氏太极不要总想着大架，我也是从大架过来的，有机会尽量多了解小架，会让你对太极有另一番认识。
我师傅说，就像你走夜路，突然有人跳出来，你被吓一激灵又像桌子上铺着桌布，桌布上放着东西，你很快抽出桌布，让东西还留在原位我师傅是高手哦
裆胯是关键。赵堡和式太极拳有以裆代手的说法，就是以丹田鼓荡催动裆胯最后形于手指上成为寸劲儿。
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[yī gǔ jìn er]
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◎ 一股劲儿 yīgǔjìnr
[get sth.done in one vigorous effort] 表示从始至终不松劲;一口气
清除历史记录关闭& 歌唱真正的放松必须是给观众的感觉很放松.那么怎样才能如此呢.大家都知道发声的原理是气息吹动声带.就唱歌而言,吹动的方式有两种.一中是气息对声带的有力撞击,一种是气息对声带的轻轻推动,当然这种推动,是在呼气肌肉群非常有力的控制下的一种轻轻推动.就象外家拳打人,是在拳头离人有一定距离时发力,而太极拳打人,则是在贴近对方的刹那发力.&
&&&&而能使呼气肌肉群强壮的方法,便是被帕瓦罗蒂称为声乐练习三件宝之一的’狗喘气.另外两件宝是,微笑着唱.保持高位置.而狗喘气的练习方法则千奇百怪了.&
&&&我教给学生的练习方法是这样的,在站立着的自然状态下将小腹及上腹猛然收进,收进的同时气息从鼻子[闭口]全部呼出.接着腹部放松,气息从鼻子[闭口]自然吸进.反复练习至感到腹部累为止.第一次练习最多5分钟,以后逐渐争加时间.&
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发表于：13-09-21 09:51
练习唱歌建议
& 1、 声音有点低适合唱中低音的歌，节奏比较慢，抒情的歌，可以唱孙燕姿的遇见；阿桑的叶子，一直很安静；梁静茹的勇气；莫文蔚的忽然之间；刘若英的我等你，一辈子的孤单，当爱在靠近，听说；许美静的阳光总在风雨后，蔓延，明知道，你抽的烟；那英的一笑而过。如果你会唱粤语歌，还可以唱梅艳芳的，何韵诗的，郑秀文的终身美丽音也不高，歌词又有意义。还有梁咏琪的today，限期。当然可以唱音比较高的男歌手的歌，比如林俊杰的江南，张信哲的过火，熊天平的愚人码头光良的第一次，童话，约定等等。&
2、多唱，多听，这没有什么捷径的。就是要培养乐感，要心中有旋律，一开始要多听，听多了试着不听也能回忆起这个旋律，最好还能轻轻哼着。最后还要勇于唱出来，在专家面前唱，让人帮你指出不足之处。千万不要总是以为自己是对的。如果别人听出不对，你不要去争辩，虚心听别人的意见，再听听原唱对比。&
3、练气，多跑步，做有氧运动，增加肺活量。有时候不是气短，是不会换气，细心留意一下歌手是在哪里换气的。&
4、如果你是近视的，摘下眼镜，如果不是，多想想歌的意境，让自己投入到歌里面，可能你就没闲空管台下的人了。如果没有舞台经验，紧张是难免的，上台次数多了，也就不紧张了。或者看看你台下的好朋友，他们鼓励的眼光可以给你勇气。&
5、实在想不出有什么窍门。唱歌不是为了唱好而唱，是想唱而唱。当然这只能悦己，如果要娱人，那就要好好体会歌的含义，唱出歌的感觉。&
6、那可能使你不满意自己才会觉得冷的，这纯粹是一种心理作用。&
唱歌跑调有两种因素，一是由于没有受过专门训练，接触音乐比较少；第二就是先天五音不全。如果是前者，完全可以通过训练来克服。建议去文化宫报个声乐训练班，接受正规的训练。入门后就可以自己通过各种途径自学了。&
发表于：13-09-21 09:53
两种呼吸练习法
& 1） 缓吸缓呼 这是我们在训练和歌唱时常常采用的方法。就是胸腔自然挺起，用口、鼻将气息慢慢吸到肺叶下部，横隔膜下降，两肋肌肉向外扩张（也就是腰围扩张），小腹向内微收。这种吸气要求自然放松，平稳柔和地进行，就像我们去闻花的芳香时的感觉一样，闻花的感觉使我们吸气吸得深，就像做深呼吸运动一样，但吸气时不要用太大的力，只要轻轻地挺住胸廓和上腹部，然后慢慢呼气。呼气时，注意保持吸气状态，控制住两肋和横膈膜，也就是控制住了气息，使之平稳、均匀、持续、连贯地慢慢吐出。有一种感觉可以帮助我们体会呼气时下肋和横隔膜的保持状态：就是在缓吸后做慢慢地吹掉桌上的灰尘的动作，这里需要长长地吹气，也就是在做长音的呼气练习，我们常说：“长音像吹灰，短音像吹蜡”，是一种吐气的感觉。
　　2） 急吸急呼 急吸就是在很短的时间内，通过口、鼻迅速把气息促而深入地吸到肺叶下部，并将气息保持住，然后，按照缓呼的要求而呼出。我们在演唱实践中经常要用到的，因为在歌曲的句与句之间、字与字之间的吸气不通话你有很长的停顿时间，往往采用“偷气”的办法来吸入且要吸得不让人发现，这就是急吸缓呼的作用。为了培养呼吸的控制力，我们可以采取一些练习曲及歌曲中的某些乐句做带词的练习，效果较好。卡鲁索说过，歌者能否踏上成功之路，首先要看他对于呼吸器官的操纵和运用，是否建立了强固的基础。
发表于：13-09-21 09:54
气息的动作
& 气息的动作。我们下面介绍胸腹式呼吸，首先我们来认清气息动作中的上腹部和下腹部。
　　下腹部：丹田（脐下三指），小腹沟（小腹的最底部及边缘构成的半圆形地带），身体两侧胯骨以上腰部以下，及背后同等位置构成的一圈。
　　上腹部：横膈膜及其周围一圈。包括上腹，胃，下肺叶，两肋,胸前及背后各两根肋骨。
　　动作：
　　１．深呼吸三次　保证呼　吸两个动作都要充分　并且均为５秒　找到气息的节奏
　　２．深呼吸三次　保证呼　吸两个动作都要充分　但呼还是５秒　吸就越短越好　
　　３．将２的动作重复三次　只是不呼不吸　屏住一口气（此时气息不动　只有肌肉工作）
　　４．将２，３动作中的呼，吸肌肉动作颠倒（关键）再开始深呼吸三次　呼是１０秒　吸越短越好　
　　５．保持４的动作　将呼慢慢延长１０～３０秒　吸还是越短越好　并呼时推动声带发元音（a,e,i,o,u,这是拼音）
　　６．保持５的动作　慢慢将元音变为歌词　保持发声及气息动作位置来唱歌　
　　练习：
　　1：长连音练习
　　快速数1，2，3......9，10 一口气数20-30遍，5-7口气为一组，每次练3-5组
　　要求：要讲气息，发声，咬字分开工作，力求咬字清楚，力度平均。
　　2：强跳音练习
　　仍数1到10，每个之间间隔一秒，一口气数2遍，5-7口气为一组，每次练3-5组
　　要求：短，快，匀，净
　　3：练习1和2在一口气内交替练习，如先练习2从1数到5，再练习1数5遍，如此交替
　　以上练习一定要注意，首先，认清气息工作的肌肉；其次，使这些肌肉正确的按照以上动作工作。
　　误区：练气是在练演唱时气息的工作能力，不是在比谁的气长。以多口气为一组，不要以一口气为判断依据。
发表于：13-09-21 09:56
呼吸，发声与喉位之间的关系
& 意大利人曾经说过，谁懂得正确的呼吸，谁就懂得正确的歌唱。虽然这句话有些偏颇，毕竟歌唱除了发声以外还要融入自己的感情，对歌曲的感悟，还有对歌曲的处理，但是正确的呼吸带来正确的发声，却是数百年来被验证正确的真理。
好了，转入正题，让我们来谈谈呼吸。 歌唱由吸气和呼气组成，对于大部分人来说，要想得到完美，具有深度的呼吸，最好的办法无疑是采取闻花的感受了，感受每一丝气都钻入肺的深处，储存起来，为接下来的发声提供了源动力。吸气千万不要把自己吸撑，7～8分饱就好，否则物极必反，在发声时反而不容易控制。
与吸气较为简单，能够容易做到位相比，呼气的环节可是复杂多得多了，无论是流行歌坛的实力派歌手，还是用自己的嗓音震撼剧院的大歌唱家，他们之中的大部分人，绝大部分时间都在研究怎样才能让自己的呼吸更加完美，以此产生更好的声音。最简单的呼气就是像叹气一样，均匀地把气流叹出来，这时摸摸自己的腹部，随着气流的排出，小腹是自然地有节律地回收的。这时在试着把叹气的速率加大或者减慢，气息的流动量增多或者减少，而这，就可要是想唱出有音量，有音质，有音高的声音，光靠简单的叹气使得气息流动还不够，还需要加上对气息的阻抗，让声音获得支点，也就是气沉丹田，横膈膜积极地工作。
具体的操作方法为：找找搬重物或者拉屎时小腹的感觉，感受用力后，保持住这个力量，然是气息控制。 用叹气的方式来唱歌，有助于迅速地把自然声区练得通，疏，喉头稳定下来。后开始发始用气息来发声。这个感觉不好找，很多学声乐的同学就是因为找不到气息的支点所以水平迟迟无法提高，所以需要花时间来慢慢磨练。但一旦找到了，那么声音就将是质变的。
一般来说气沉得越深，气息的阻抗也就越大，声音也就越洪亮。因为得到了足够的气息支持，喉位也会稳定下来，声音通道顺畅，高音和换声区的问题也会迎刃而解。
发表于：13-09-21 09:58
唱歌技巧，几天改变你的嗓音
& No.1 要想唱好通俗音乐，首先歌者一定要做到声情并茂！
要想唱好通俗音乐，首先歌者一定要做到 "声情并茂"！！！
声：指的是发声的技能（也就用那些动作去唱歌）
情：演唱时所要表达的一种情绪或一种气氛（一般被视为是不是投入，是不是有歌者的气质）
就算一个发声技能高超的人，他的声音还是会有瑕疵的，因为在声乐表现中，人声始终是精益求精的，如果缺少了感情的支撑，那他充其量是一部发声机器，而且是有瑕疵的。
误区：声、情两者不能良好的结合起来，盲目训练导致成为一个麻木的发声工具，而过分的热情似火又太容易染上市井演唱之气，今后就难改了！
No.2 分为声、情这两方面来探讨通俗音乐的演唱规律
我们下面就分为声、情这两方面来探讨通俗音乐的演唱规律！
当然，在字面表达以及动作训练的过程中，是以声为主，情为辅，但希望大家在运用表演的过程中反之，衡之。
提高声乐技能主要分为四大门功课：气息，发声，传声，咬字。
情：在一开始的时候，主要是要能听得出好声音的“质”，“气”，“词”，“乐”。（在演艺，欣赏歌曲的过程中要学会从感性变为理性再回到感性）
很多人盲目的练习唱歌，但他并不知道在唱歌的过程中，声的四大部门都在工作，这才叫唱歌，练习是有效的。但同时，歌曲演唱的好坏是在欣赏一个整体，一个情绪，不是在检验这四门功课的高低！
首先，什么是气息？
唱歌必须用气，通俗音乐中的气，是由一呼一吸这两个动作交替构成的。（决不要有第三个动作产生，例如 停顿、重吸、重呼、偷气、漏气等）
就一呼一吸而言，唱歌是呼的艺术，切勿本末倒置。
发表于：13-09-21 21:47
&&[第2版 09-21 21:47]
声乐的乐器
& 喻宜萱教授说：声乐的乐器是长在人体内的生理器官，它不是乐器厂出产的成品，不经过训练，就不可能成为一件优良的乐器。必须经过一定时间的严格训练，才能具备适应演唱各种风格、内容、形式的曲目和能力。声乐基本功的扎实是靠下功夫磨练出来的，没有捷径可走，也不是熬到头就会出来，音乐是技艺性较强的艺术，声乐演唱离开技巧、方法谈不上任何表现。
最近有多位网友提到自己练习声乐过程中的问题，有很多问题都是很基础的，我大致归纳一下，将具体的问题最比较明确的解答。
& 谈到美声唱法，人们都会想到：学习美声唱法的歌声，一般都要经过严格的技术训练，在良好气息支持下，充分运用声音的共鸣，唱出的声音具有通畅宏亮、浑厚圆松弛自如和音色优美等特点。可以肯定的讲，美声唱法的确应该具有以上的特点，而且这些也正是学习声乐的人要为之奋斗的目标。但这仅仅是一个重要的方面，它不包括美声唱法的所有原则和内容。......据我的了解......包括以下六个方面的内容：1、美声唱法有声部之分；2、美声唱法要求声区统一；3、美声唱法要求母音一致、吐字清楚；4、美声唱法要求声音连贯；5、美声唱法要求具备声情并茂。以上六点是美声唱法的重要组成部分，也可以说是六个重要原则。
关于声乐学习过程中基础问题
　　1、共鸣：有很多种方法都可以实现，但只有不是特意找的才是正确的。有的朋友提到开口音没问题。共鸣也很好，闭口音就不行，实际上他的共鸣就是特意炼出来的，是紧的，当遇到闭口音时就出问题了。
　　2、呼吸：这几乎是所有的学生都具有的问题，呼吸不练不行，练不对了也不行，是声乐学习中最基础的问题，解决的办法是通过有感情的朗诵，练习呼吸的状态，只要感情是真实的呼吸就一定对，在把这种状态用到演唱中。
　　3、喉咙：特意的练习打开喉咙是很有害的，喉咙是否打开与所咬的字有关系，这个字改打开多大就是多大，不存在特意多大开的问题，所以喉咙的问题就是通过自然的朗诵解决的。
　　4、位置：声音位置很重要，但单独的通过稳定喉头来练习是很难解决的。最好的办法是从音乐的感情上稳定，因为位置的不稳定就是情绪变化造成的，稳定了情绪就是稳定了位置，而且情绪与呼吸有一定的关系，所以这些问题都是可以通过简单的办法统一的解决的。
　　声乐需要解决的就两个问题：
　　1、咬字是否正常，演唱中要保持正常的状态。正确的咬字会解决打开喉咙和共鸣问题。
　　2、情感是否真实，真实的情感就可以解决位置和呼吸问题。
　　解决了这些问题，声乐还需要什么？
　　Tenore：杨老师的教学主要就是讲自然状态，无论呼吸、咬字都以自然为主线。训练声乐的方法多种多样，但杨老师所强调的这些往往被很多声乐教师所忽视，而过多地注意了技术细节。对初学者而言，从自然状态入手是最重要的。一开始就去找口型、去找共鸣很容易误入歧途。技术不是不要，有了一定基础后，再去精雕细琢。
　　默默无闻：我的感觉是,什么都不去考虑时,很自然,很轻松,发出的声音也很美(自我感觉),但是这种状态只能在低音中音区维持,一上高音就不行,情绪也紧,喉咙也紧,就开始慌忙乱找真声假声.怎么办？
　　杨老师：出现这个问题有几个原因：
　　1、中声区状态不对，自然不是懒散，是积极的自然，如果懒散了高音时就会乱。
　　2、中声区练得不够。也可能是没有找到状态，这样到高声区时因为没有状态出现问题。因为中声区找到状态的目的就是为了在高声区保持，如果没有状态就谈不上保持，那么高因状态就乱。
发表于：13-09-21 21:51
声乐的学习与训练八
& 4-1１、有个在罗马得了国际金质奖的歌唱家叫曼弗来多-帕凡罗的，他说：你唱歌的时候要想到相反的方向。唱高音时，想的是最低的地方，唱低音时，上面面罩部分觉得振动。在高音时，使横膈膜控制呼吸，使这部分振动不消失。&
&&&&4-1２、用元音I唱高音应该是比较容易的，容易带有头腔、鼻腔共鸣。唱i&时想到u&，这样唱起来比较圆，相反唱u&时想到i&，这样&就比较亮一些，这是个小小的技巧。
&&&&4-1３、用快速的音阶练习，既能练习高低音的统一，又能练气。连慢速音阶与练快速音阶是不一样的。练慢速音阶是为了找声音位置的统一，一个音、一个音的找到声音的位置，而练快速音阶，则主要是练横膈膜肌肉，使它不偷懒。“位置”这个词，在生活中是很具体的，可是在声乐学习中往往又那么抽象。其实，声音位置在哪里，全凭人们的感觉，有人唱歌时下巴很紧，捏着嗓子唱，声音位置很低，可是，他本人认为这个声音很亮、很好。我的体会是，必须自己按要求打开喉咙、放下喉头、下巴放松、有呼吸支点，打开鼻咽腔，小声去唱，才能体会和感觉到声音的高位置。另外，你小声快速说话时，也会感觉到声音的高位置。你能不能就在这个位置上唱？
&&&&4-1４、从i&音变成o&音，要慢慢变，要学会如何用嘴里的肌肉控制这个变化。变换元音时，要在嘴部里面逐渐打开，嘴的外形不要变动太大。&
&&&&4-1５、“哼鸣”是我们在生活中常见的动作，歌唱中的“哼鸣”练习同生活中的“哼鸣”动作原则上没有两样，只是要求“哼鸣”时喉头放松，把“哼”的感觉置于感叹时的呼吸上，我经常让学生练“哼鸣”，音阶是半音模进，由下而上再由上而下。检验“哼鸣”的对错，可以在“哼鸣”时看嘴巴能否随便动作而不影响声音的进行，如若不影响，就说明方法对了，这样，用“哼鸣”唱法时，嘴巴在做咬字动作和做表情动作时，就不会影响声音。“哼鸣”练习，做对了，能找到、感觉到高位置，做不对，也没有高位置。如果哼的时候，喉咙捏紧、喉头上提，不是“哼”而是“唱”的话，那么，“哼”出来的声音就在鼻子尖附近，位置一点都不高，这也是初学者常出现的问题。应当引起注意。我还在一个资料里看到了一种练习方法，这个方法叫“咀嚼哼鸣”。就是“一边哼、一边咀嚼”的练习方法，实际证明这是一个很好的练习方法。据沈湘教授介绍，苏联时期的世界歌王夏里亚平唱到40多岁，嗓子出问题了，他找了三个德国最有名望的嗓音大夫给他治疗，用的就是咀嚼疗法。
&&&&根据这个道理，我让学生做“哒啧哼鸣”的练习，具体的做法是：先练习用舌头在嘴里做出“哒”、“啧”的声音，熟练之后，再在“哒啧”的同时哼鸣。开始可以在一个音上哼，以后可以由下而上、由上而下的哼滑音，还可以用发声练习曲、用歌曲的旋律哼。对高位置的哼鸣音有了感觉之后，就要“哼到哪里就在那里唱”，实践证明：能哼多高就能唱多高。所以这是一个很有用的练习。声音位置不高、下巴紧张、舌头不灵活的人应该用这个方法好好练练，一定能取得很好的效果。
&&&&4-1６、寻找运用混合共鸣的方法。1、在内心确立优美动听声音概念的音色，用内心听觉指挥和控制发声机能，寻找最美、最动听的混合共鸣；2、通过正确的轻柔、和谐的哼鸣练习，体会各共鸣腔在不同音域的共鸣感觉，听辩自己的发音，通过不断调整、体会、掌握正确的混合共鸣；3、发声歌唱时，口腔应根据音的高低适度打开，原则是音域往上走，口腔上下开得越大，软颚自然向上提起、兴奋、半打哈欠，使声音，引起头腔共鸣；4、发元音的着力点，应尽量接近三个声区的集中点（鼻咽部位），使三个声区的共鸣得到衔接和灵活调整；5、在寻找运用混合共鸣中，应加强中声区的训练，使声音结实、明亮、甜美、自然、流畅。
发表于：13-09-21 22:02
流行歌曲演唱技巧
你要想问怎么唱好歌吧，唱歌要用气唱，方法如下：
歌曲的演绎是需要很多方面表现的。
第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。以后的文章中，我会把我知道的尽可能的与大家交流。
第二是情感。这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因，是因为歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。所以，如果唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。
第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人！歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。
第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗？你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗？这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。
第五是素质。这就是业余歌手和专业歌手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。你知道自己唱歌时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业歌手也不全面，但我个人认为，如果要做专业歌手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。
发表于：13-09-21 22:04
声乐的学习与训练五
& 要想声乐学得好，掌握呼吸很重要。呼吸是歌唱的动力，呼吸是歌唱的基础，许多歌唱上的毛病都和呼吸有关。学声乐的人，平时就要注意自己的呼吸方式。要用唱歌时所要求的呼吸方式进行呼吸，把这种呼吸方式，变成自己的习惯。从以下的论述中可以看出：呼吸，其实并不难，而且人人都使用过声乐上所要求的呼吸方法。那么，为什么有那么多爱好唱歌的人，还没有掌握好呼吸方法呢？我想，&&&
&&&&１、可能是因为他们没有正规的学习过声乐，它们不知道呼吸的重要性，也不知道歌唱对呼吸有什么要求，唱歌时，根本没注意过自己的呼吸状态是什么样的；&
&&&&２、他们平时就是用声乐上不提倡的那种呼吸方式进行呼吸，已经习惯了，虽然现在知道了，但还没有改过来；
&&&&３、有的人一唱歌就紧张，吸气时，使用了不该使劲的地方，比如：过高地抬胸、耸肩等。唱歌时要求的呼吸方式，虽然人人都可以学会，但不经过练习，就不能让这种呼吸方式成为自己的习惯，要想在唱歌时自如地使用这种呼吸方式，确实是需要经过认真和长期的练习才能作到。
&&&&3-1、今天讲呼吸，呼吸是十分重要的。你们躺着睡觉时也要呼吸，这时呼吸的方法是正确的。请记住，在歌唱时，要用躺着时的呼吸方法来呼吸。有两种呼吸法：一种是“胸式呼吸”；一种是“腹式呼吸”。我倾向于腹式呼吸。“腹式呼吸”可以吸得深，可以很快的吸气。一般妇女爱用“胸式呼吸”，用“胸式呼吸”，吸足了气，但一开口唱，气都跑掉了，这样唱很紧，也没有用。“胸式呼吸”与“腹式呼吸”横膈膜工作的方式不同的。（示范）“胸式呼吸”，上腹部往里控制横膈膜，“腹式呼吸”则是上腹部保持住，稍有些往外来控制。&&&
&&&&3-2、吸气要与闻花时一样自然、平静、柔和，气不要吸的太多，但要吸到隔肌。
你高兴地闻花的芳香，这时你会发觉你的胸廓，自然地而不是人为地向上向前抬起，而肋肌，包括腰部，同时向四周扩张，保持这个状态，仅将腹部横膈膜以下的肌肉放松、送气。在呼气的过程中，始终保持吸气状态，要让吸气肌肉群有控制、慢慢地放松。呼气时以吸气时下降的隔肌及下肋骨两侧为支点。但保持的力量不在肋骨上，而在横膈膜上。歌唱时明确地感到了气息支点的部位后，就放松腹肌，让气息由于腹肌的收缩而呼出。&
&&&&３-３、有一些关于呼吸的要点，大多数人还是有一致之处，例如：呼吸要自然通畅，便易从容、没有声音、排除紧张、不能让人明显地看出是在进行呼吸。由于呼吸是歌唱的基础而姿势又是呼吸的基础，因此对于呼吸时的姿势，应给予足够的注意，不论是吸气，或呼气，都要适度地抬起胸膛并保持恒定，两肩松垂，颈放松，为了发挥呼吸器官的功能，气要吸得较深、柔和适度、肺，要全面地扩张。呼气时胸膛要保持吸气时的自然抬起状态。出气要均匀、集中、稳定、节省、有控制、不漏气。注意横膈膜、肋肌、腹肌、腰肌，对气息控制的作用，以及各器官在呼吸时的相互协调。气息的运用要有所安排，应按乐句的长短、声音的高低强弱，对气息进行有效的调节等等。&
&&&&３-４、有一次，我和爱人抱着刚出生几个月的小女儿去看沈先生。沈先生摸着正在啼哭的娃娃的肚子高兴的说：“她哭的时候用的是横膈膜呼吸法，因为她的呼吸方法正确，所以哭上三天三夜嗓子也不会哑。”&
&&&&3-5、我们搞声乐的很讲究“深呼吸”、“高位置”。所谓“深呼吸”，就是把气吸到肺的下端腰部周围，横膈膜下沉，最好能感到气沉到小腹，这一点，我们唱歌的与唱戏的虽然说法不同，但道理一样，戏曲的说法是“气沉丹田”，古书上讲：脐下三指为丹田，这就是要求气要沉下去，而不是浮在胸部。&
&&&&3-6、吸气时，先抬胸再吸气（不是边吸气边抬胸），呼气时，先凸胃再收腹（不是一呼气立刻就收缩腹肌），呼吸的这四个动作是连续而圆润平衡的。其中，抬胸和凸胃――保持吸气状态――是控制横膈膜和呼吸的两个关键动作。这就是最简单最明确的呼吸控制法。
发表于：13-09-21 22:29
声音集中的探讨四
& 歌唱发声的三个要素：声道、气息、声带是一个统一体，我们都希望马上统一起来。往往急于求成会适得其反。我想，应该处理好这三个既独立又互相关联的关系。
&&&&我们不可能让学生马上就达到歌唱家最终的“声音效果”。因为学生不可能“一心三用”，往往是学生眉毛胡子一把抓，这样反而进步不快。与其这样，还不如抓一个重点。当然，这要靠老师判断。针对学生的“饥饿”情况，采取对症下药的办法。也许在某些项目上会有所失，但这正是“拼图”的过程。
&&&当所关注的要解决的问题得以改善时，老师可以再去发现学生的其他“饥饿”情况，采取相应的措施去解决。我想，这可能就是不断完善的过程。这个过程我觉得是辩证的，要因人而异，因人而宜。当声道还不通畅时，无论怎样强调气息也是枉然。当声音还没有足够的集中能力时，即使通道通畅了，也有可能会在高声区破掉。当气息还不会正确运用时，即使有通畅的声道，有声音的集中能力，也可能会由于气息运用不当而受到干扰。声音集中，通道畅通，正确的气息运用是协调作战的。不能说某一项重要而其他的不重要。我常见有的朋友说：在歌唱中，气息是最重要的。也有的说共鸣是最重要的等等。还有：谁懂得呼吸，谁就会歌唱。这一切我认为是片面的。单独强调哪一个都会走入误区。作为一个老师，一旦只去关注某一项而忽略其他项，就会在原则上有失偏颇，而且这种原则就会带入到教学中去，会对声乐的教学产生不良的影响。我把声乐教学第一阶段比喻成“错误歼灭战”，针对学生毛病的具体情况，歼灭一个算一个，直至完善。第二阶段比喻成“强化战”，针对学生三要素弱项的“饥饿”情况进行强化，这一阶段因人而异。第三阶段比如成“巩固战”，巩固成果，提高机能。第四阶段比如成“提高战”，此时，三要素应该说都统一协调得差不多了，声乐技术应该说掌握的比较牢固了。我一直认为声乐教学的阶段性是至关重要的，一嘴吃个胖子是不可能的。可是在我所见的声乐教学中，有的不知在练什么，根本就没有重点，或者是只偏向于某个重点。三要素应该都是重点，只是阶段不同，重点不同。
发表于：13-09-21 22:34
声音集中的探讨四
& 歌唱发声的三个要素：声道、气息、声带是一个统一体，我们都希望马上统一起来。往往急于求成会适得其反。我想，应该处理好这三个既独立又互相关联的关系。
&&&&我们不可能让学生马上就达到歌唱家最终的“声音效果”。因为学生不可能“一心三用”，往往是学生眉毛胡子一把抓，这样反而进步不快。与其这样，还不如抓一个重点。当然，这要靠老师判断。针对学生的“饥饿”情况，采取对症下药的办法。也许在某些项目上会有所失，但这正是“拼图”的过程。
&&&当所关注的要解决的问题得以改善时，老师可以再去发现学生的其他“饥饿”情况，采取相应的措施去解决。我想，这可能就是不断完善的过程。这个过程我觉得是辩证的，要因人而异，因人而宜。当声道还不通畅时，无论怎样强调气息也是枉然。当声音还没有足够的集中能力时，即使通道通畅了，也有可能会在高声区破掉。当气息还不会正确运用时，即使有通畅的声道，有声音的集中能力，也可能会由于气息运用不当而受到干扰。声音集中，通道畅通，正确的气息运用是协调作战的。不能说某一项重要而其他的不重要。我常见有的朋友说：在歌唱中，气息是最重要的。也有的说共鸣是最重要的等等。还有：谁懂得呼吸，谁就会歌唱。这一切我认为是片面的。单独强调哪一个都会走入误区。作为一个老师，一旦只去关注某一项而忽略其他项，就会在原则上有失偏颇，而且这种原则就会带入到教学中去，会对声乐的教学产生不良的影响。我把声乐教学第一阶段比喻成“错误歼灭战”，针对学生毛病的具体情况，歼灭一个算一个，直至完善。第二阶段比喻成“强化战”，针对学生三要素弱项的“饥饿”情况进行强化，这一阶段因人而异。第三阶段比如成“巩固战”，巩固成果，提高机能。第四阶段比如成“提高战”，此时，三要素应该说都统一协调得差不多了，声乐技术应该说掌握的比较牢固了。我一直认为声乐教学的阶段性是至关重要的，一嘴吃个胖子是不可能的。可是在我所见的声乐教学中，有的不知在练什么，根本就没有重点，或者是只偏向于某个重点。三要素应该都是重点，只是阶段不同，重点不同。
发表于：13-09-21 22:41
浅谈原生态唱法与民族唱法
& “原生态唱法”这个名词通过青歌赛已被众多人所熟知，它包括我国丰富多彩、形式繁多的民间音乐的各种类型，除了民间歌曲外，还有民间戏曲演唱、民间曲艺（说唱）演唱等，总体上说是最接近民族、民间的没有经过太多修饰的一种唱法，它是民族唱法的初形和起源。而民族唱法在继承我国民族传统唱法的基础上，借鉴了系统科学美声唱法的特点，经过不断的实践，不断的总结出来的一种完美的唱法。两者之间有着千丝万缕的联系，也存在着很大的差别。它们同样来自中国这片土壤，民族唱法从原生态发展而来，以民族音乐素材和中华民族的审美观点为载体，以科学的发声方法为手段，逐渐形成了一种成熟完善，内容丰富的演唱体系。从某种意义上又可以说原生态唱法也属于民族唱法的一种。两者在如今音乐事业繁荣发展的今天得到了空前的发展。随着信息时代的互通和交流，中央电视台青歌赛等主流媒体的重视，使得积蓄已久的两种唱法在这一时间点上同时绽放，并表现出了特有的旺盛的生命力。
一、原生态唱法
每种唱法各有不可替代的文化价值和审美价值，并区别于其他唱法，就如同某种文化不能取代另外一种文化一样，同时它也是随着地域、阶段的不同而改变。随着科学的发展、社会经济的大转型，人们生存状态、生活方式、思想观念、文化需求和审美趣味在快速衍变，因此声乐艺术的发展也应与社会和时代的变化、人民需求相结合，我们要提倡多种不同形态、不同层面和不同趣味、不同唱法的创新。原生态唱法出现在文化繁荣的今天，以其独特的形式，质朴的情感，天然的唱法独树一帜，也成为了一种时代的产物。有人质疑原生态唱法的科学性，在笔者看来如何理解“科学性”是问题的关键，人们往往用美声唱法的标准和固有的对某种唱法的要求看作是衡量某一唱法的“科学性”。原生态唱法有自己的一套发声技巧、发声理论。在我国各民族不同的文化背景下保持原滋原味、浑然天成、自然直观的表现各民族的风格、特点、生活方式，这就是它作为一种唱法所特有的“科学性”。大家可以试想一下，如果将原生态歌唱的方法也用美声的理论来演唱，那将失去它对我国民族文化的一种诠释。也破坏了它在自然层面上的美感。无异于用国外的咖啡体会中国的茶道，结果全然不是想要的滋味。作为我国民族文化的产物，原生态唱法还具有多样化的特点。我国是世界上拥有人口最多、民族最多的国家，我们有五十六个民族，每个民族拥有每个民族语言、风俗、服装等文化背景，他们都拥有在这种文化背景下的音乐艺术和歌唱风格，也使得原生态唱法形式、内容多样，有多样的作品风格和演唱风格。这是其他唱法所不能替代的。并且原生态民歌具有很大的即兴性，歌词结构短小，通俗易懂。音乐语言凝练，往往是极为简单的音乐素材来表达深刻的思想感情。同时原生态歌曲直接表达人们对真、善、美的追求，不加修饰地追求歌人合一。原生态唱法演唱语言是本地方言，歌唱嗓音圆润明亮，演唱的旋律优美动听。这就是原生态唱法的魅力所在。
二、民族唱法
民族唱法来自于人民之中,它既继承了传统的戏曲、曲艺、民间演唱艺术的精华,又根据当代人的审美要求,吸收了美声的先进科学发声方法,根据中华民族的情感、民族的语言、民族的音乐风格、民族的文化及其审美发展形成的。因此,在群众中已有深深扎根,成为人们不可缺少的精神食粮。随着中国民族声乐的不断发展，在演唱和创作上已经形成了具有中国特色的民歌，民族声乐作品则是中国民歌的重要组成部分，中国民歌在目前为此已经达到了空前繁荣的局面了，民族歌曲百花齐放。当代中国民族声乐作品创作格式的形成经过近一个世纪的时间，民族声乐作品的基础是中国民歌和戏曲、曲艺，随着外来音乐的流入，特别是外国声乐作品和歌剧的传入，对中国民族声乐作品的创作产生了影响，中国的作曲家把中国的民歌和戏曲曲艺，同外国声乐作品、歌剧两者的创作手法和中国传统的创作技法相结合，形成了当代中国的民歌作品。中国民歌源远流长，风格多变，历经数千年沧桑，其随着历史的年轮不断地翻新、前进，历史不断，中国民族也会随着历史长河不断的发展、变化，中国民歌依然会以独特的魅力和迷人的风采，在中华大地永远地绽放，而民族唱法以深厚的文化底蕴为基石，以科学的方法为手段必将更加成熟，更加完善，立足民族走向世界。
两种唱法在今天表现出来的生命力会不会在一段时间后被纷繁复杂的文化形式所淹没，它们不会是大众娱乐的结果昙花一现，而是作为中华民族的精神食粮而永久绽放。社会在不断发展,世界变得越来越小,各国之间文化交流日益频繁,音乐元素也更加多元化。中国音乐这个大家园在引入外来音乐的同时,也肩负着要走向世界艺术之林的重任。因此在不断前进和开放的时代面前,原生态将得到更好的保护和发扬，民族唱法的科学进步与发展也将成为必然要求。我们要与时俱进,在坚持民族语言、民族韵味、民族气派、民族情感的基础上,尊重科学,不断实践,提高自己科学歌唱的能力。注重生活的积累和感悟,提高音乐修养、艺术修养和文化修养。只有这样,我们才能适应时代的发展要求,完成时代赋予我们的使命。
发表于：13-09-21 22:48
&声音集中的探讨三
& 声乐是要从自然通过不自然的训练到最终的自然发声状态.我不反对而且很赞成在学习过程中借鉴成功者经验和感受,&但只能是借鉴,而不去模仿,不是去寻找他们的感受,而是用他们的经验和感受来证实你自己的感受.&不断尝试是唯一寻出适合自己发声方法的正确而稳定的途径.从而不会走重复的误区.&在不断尝试过程中，你将会不时的体会到大师们所描述的感受,&这将是一种信号,你的方向大致是正确的。而不反其道,去寻找他们的所描述的感觉,这也许你会侥幸成功的找到，但会耽误很多时间。这种方法我可以简单介绍：
&&&&1，&传统的方法：讲究唱高音提起软腭。形成喇叭口向后开。非传统的方法：要求放下软腭，让舌头充分自由，而且意识上口腔后面要小于前面，就是喇叭口朝前开。
&&&&2，传统方法唱高音：讲究掩盖，母音变形。非传统方法：要求换声时压缩声带，这种压缩声带的演唱者的感觉正好是“声带进一步拉紧”的“窒息感”。而且一旦掌握了，唱高音会很方便，“芯儿”就是因为声带进一步拉紧而更加集中明亮，不会产生“撑、抖、晃“的毛病。
&&&&3。传统的气息运用方法：讲究气息意识向下，所谓的气要沉下来，实际上在演唱时，歌者的意识也是这样，造成“大便式”气息的运用。我称之为“死气，僵气，不流动之气”。非传统方法：讲究提气，但不是提起声音。要求气息意识向上，产生真正的流动感，让气息和声带产生充分的阻抗。
&&&&注意，
&&&&1，这里的“不提软腭”是针对初学者开始练习打开喉咙时所说的。当初学者练习“打哈欠”时易犯的错误是极力提起软腭―――压下舌根，形成口腔后面大、前面小的倒喇叭状态，不但喉咙不开，反而会锁死喉咙。喉咙是指“舌根――喉结”里面这个空间，要想打开喉咙就必须打开这里。打开以后的状态就是“舌根抬起―――喉结放下”（前后左右全部开），以此来形成喇叭口朝前开的状态，也是声音得以充分开放的必要条件。在此基础上再去提起软腭，就不会产生其他弊端。
&&&&2，母音变形这一点我和先生是共识的。“声带压缩”，简单的说就是高音的产生在声带的前端上，所谓压缩就是意识上的“由后向前”的水平运动感觉，高音其实就是声带变短变薄的产物。这种由后向前的运动意识的确会让歌者产生一种“窒息感”或者说有一种“收紧”的感觉。这种方法就是避免声区断裂。“声带压缩”一定要建立在初期“软腭下放―――舌根抬起”的基础上，在此基础上，喉咙就不会干扰“压缩”的进行。喉咙和声带各负其责，互不干扰。在这一阶段的练习原则是“交替”。人的本能是：打开喉咙，声带也随之打开。集中声音，喉咙也随之收紧。所以，打开与集中的交替练习就会逐渐达到平衡和统一，逐渐分开喉咙和声带，让喉咙和声带充分发挥自己的功用，逐渐达到“喉外肌松，喉内肌紧”。压缩声带的方法掌握娴熟后，就会成为一种下意识，在歌者的的内感觉里，声带会随着音的升高或降低而自动调节，声带拉紧的紧张度会随着音域的变化而变化。
&&&&3，气息的运用意识也是共识的。学习阶段的身体姿势要求“挺起胸膛，慢慢收回小腹托气，建立气息的向上流动”。古老意大利要求据说也是这样。吸气仅是下意识，让小腹的收动与发声同步，直至协调。换气就是快速放松鼓起小肚子，让气息自动进入，这样就不会在话筒前产生由于吸气造成的噪声，谓之“自动换气”。横隔膜是否能具体操作和感受，我个人目前还没有体会。我不认为小腹放松了气息就能运用得好，积极与放松是相对的。该放松的就一定要放松，比如：脖子外围、下巴、牙关节等。该积极的一定要积极，比如：小腹、声带等。人们都说卡鲁索放松，卡鲁索却说：你怎么知道我放松？我的臀部也在使劲儿。我想既然出自大师之口，肯定是有道理的。其实，不管学生还是老师，都想尽快出成果，这样只能是“欲速不达”。我的感觉，对学生来说分阶段练习效果还不错，声乐好比是一幅拼图，我们不可能一下子拼好，只有不断的一张一张的去拼，有时也免不了犯错误，只要有信心、有想法、有措施。哪怕是拼的次序不同，最终会是一幅完美的作品。
发表于：13-09-21 22:59
&&[第3版 09-21 22:59]
共鸣同音色的关系&
& 音色是声音的一种特性，是由于发音体的声音不同而产生的。音色是由多方面因素决的。从生理上看，每个人的声带构造不同，歌唱的声音也不一样。声带长厚，音色就厚一些。声带短而薄，音色就明亮一些。 各种共鸣腔内的共鸣效果各有特色，可以唱出各种不同音色的歌声来，所以说，音色是表现歌曲思想感情的主要技巧。掌握各种音色变化的能力是很重要的。在歌唱发声中，要巧妙的运用各种共鸣的比例，并要按照各声区的要求进行调整，才能唱出动听的音色 。
&共鸣同音量的关系
& 音量的强弱变化是歌唱的表现手法之一。音的强弱是由发音体振动时的振幅大小而决定 的。振幅大音就强，振幅小音就弱。＜有人误认为强的声音是高音，弱的声音是低音，其实是不同的＞，还有的人在追求一种"响"的声音，误认为用这种强而响的声音去歌唱效果好，这种想法是错误的。强弱是相对的，二者是因为对比而来的。因此在歌唱中，要根据歌曲内容和处理的需要，做到既能强又可弱，这样的变化就比较自然。在音乐的旋律中，常用强弱记号来表现音量的变化。如P、PP、PPP、f、ff、fff等。希望演唱者对曲目要细心地研究作曲者标记的强弱对比及感情的表达记号。千万不要过分追求大音量，这样会造成不好的效果。总之，这些共鸣音响效果的变化，需要我们运用灵活多变自如的共鸣技巧，并采用统一的混合共鸣，使各共鸣空间振动音响起最大的谐和作用，才能给人以丰满圆润的感觉。在强弱的声音技巧运用过程中，声音用的越轻巧，保持歌唱的位置就越高。
共鸣同音高的关系
& 音高，指音的高度。物体由于振动发出了声音，振动越密则音越高，振动越疏音则越低。这种疏密程度的变化称为音高。每个人都有自己的自然音域，歌唱的声音必须有高低之分。从生理上去看，声音的高低是在歌唱发声时，声带振动频率所产生的快慢区别。振动得快，声带开合的次数多，频率越高，则声音越高，反之就低。这种音的高低在歌唱发声共鸣的运用中，要有所控制。有时在音乐会结束后，你经常会听到各种演唱者的议论。评论最多的是"这位演员唱的音真高"，"他的声音才真叫亮呢"等等。这便是人们对演唱最起码的评论。说明在演唱中人们对音的高度是有要求的。但这，并不等于那种尖刺的声音就是正确的。在练习高音时，有的人误认为用一股劲在那"喊"唱，就能把声音唱高了，这种想法是错误的。唱高音必须要求正确地运用头腔共鸣。在气息的作用下，声带借助弹性力量很快开合，产生高频率振动，但产生了高音。从生理上分析，唱低音时声带拉长，边缘厚，弹性张力松弛，开合缓慢。我们有时去欣赏大合唱演出，它总能给人以力量和向上感觉。如果缺少了低声部，整体合唱效果感觉就没有分量了。只有高声部的[演唱，声音就显得单薄了。如果低声部能发挥作用，合唱效果立即就变了样，那种丰满深厚、富有魅力的声音立刻吸引人们去遐想。这种声音来自于胸腔的振动。胸腔是低音的共鸣区，声音向下唱，喉头自然就要下降，靠近气管，声波在胸腔内产生了振动，运用这种共鸣就会出现了松、通、厚、浓的声音。因为音的高低是与共鸣起直接作用的。
发表于：13-09-22 10:43
浅谈关闭唱法中的心得体会
& 关闭唱法，简单地说，就是在中声区的发音基础上，唱到高声区时，加强胸部的呼吸支持，降低喉头，打开会厌，扩大喉腔，使声音得到丰富的高泛音，也就是所谓的“头腔共鸣”。&是美声歌唱中男声在美声唱法中的一项技巧&“COPERTO”一词为“掩盖”或“蒙盖”之意，所以这一唱法又称为“掩盖唱法”。“关闭”一词是与男声在中声区声音的“开放”状态相对而言的。19世纪之前的声乐作品对高音并不要求宏大的音量。男声唱法，开放着唱上去，唱到一定的高度就改用假声。&
&&&&19世纪初，意大利和法国出现了表现英雄激情的歌剧作品，这类作品要求演唱者用宏大的声音来表现音乐的情绪和人物的性格。&意大利一些男高音歌唱家通过实践。逐渐摸索出一种使用掩盖的胸声，以支持呼吸、扩大音域、增强音量的高音唱法，取得了很好的效果。这种唱法既有充足的音量来发挥激情，又能保护歌唱者的嗓子。此后，这一唱法便被普遍应用。俄国著名声乐家SHUSHLIN教授曾说过:如果不懂得在高音上运用关闭唱法,无意与拿刀割自己的喉咙"值得说明的是：“关闭唱法”只适用于男声，多在近代歌剧的演唱中使用。的产生，结束了女高音在歌剧舞台近200年独领风骚、占据首席的历史。当然了,关于关闭唱法的著作非常多,但是,在我们国内声乐爱好者以及学生中能够将关闭唱法运用自如的还不多,我学习声乐已经5年有余,在不断的实践中对于关闭唱法有了一点自己的经验和心得体会--------我觉得,关闭唱法最主要是针对男高音到了换声区#F以后保证高音的高质量而用,对男高音来说非常重要,没有高音质量的男高音根本不能算的上是个优秀的男高音结合自己的实际经验，我来谈以下几个问题:&
&&&&第一,气息的问题,气息是歌唱的基础,没有气息就谈不上歌唱,运用关闭唱法时的气息运用,和生活中正常呼吸发放是不同的,通常美声唱法中的“闻花式呼吸法”,“叹气式呼吸法”我在这里就不多说了,谈谈我在歌唱中用到高音关闭时的一点体会:歌唱中的气息需要一个支点.气息的支点一定先建立在后腰部分.然后再找小腹的力量.因为腰部需要你主动去做扩张或向下拉动,才会产生一个力.然而小腐与横膈膜由于受到腰部支点向下拉的作用,自然会产生一种对抗我在歌唱中能很强烈的感觉到这种对抗,唱高音的瞬间,腰腐部有一个瞬间的扩张,因为高音关闭是需要一个力的支持的,运用关闭唱法时,是不能“偷懒的”的。&
&&&&第二,喉头的问题,喉头问题也是男高音歌唱的重中之重,如果喉头上提,,整个歌唱状态就会错误,最后导致高音唱不上去,容易走进死胡同有的初学者本来是男中音，他却挺喜欢唱男高音，把喉头位置移的稍高一点就获得了一些高音音色。而自然说话时喉头稍低又恢复到了男中音音色、音高,而喉头过于下压,则会影响音色的质量,产生不了男高音所要求的高泛音,有的初学者本来是男中音，他却挺喜欢唱男高音，把喉头位置移的稍高一点就获得了一些高音音色。而自然说话时喉头稍低又恢复到了男中音音色、音高.现在,我来说名一下男高音在换声区时的喉头状态:喉头位置稍高一些，缩短共鸣管道长度，加之收缩喉头的直径，声音便以靠前明亮，轻松透亮，这对男高音演唱轻巧、欢快的歌曲很有益处。由于共鸣的泛音决定音色，随着音区音质的变化，喉头内部的调整，喉头位置和形状这些机能状态也将会同时发生变化。从解剖学角度看喉部肌肉便可知道：歌唱时升喉肌为了调整好男高音所需的音质，可使喉头上升得以获之。所以“稳定喉头”的说法亦应是相对的和积极而自然的才行,我们应该怎么训练喉头,使之稳定呢?练声曲可以用各个母音或混合母音或子母音混合音，也可以用音阶的音名１２３４５６７等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。一般来说选择“O”或者“U”之类的比较圆润的元音开始着手练习，因为这些元音容易形成需要的空间，比较容易保持喉咙打开的基本状态，也比较容易形成喉咙空间的状态。&
&&&&第三,歌唱中的高位置.歌唱时应始终保持高位置.这就提到一个“高音低唱”的问题,什么是,使得“高音低唱”?这并不是说要求歌唱者讲歌曲的音高升高,而是指歌唱者在歌唱中不仅要始终保持高音的高位置,更要自己的声音始终保持一个积极,紧张的状态.任何嗓音的音域中的每个音都应该具有整体共鸣的色彩，高的声音比较多地在头部共鸣器官中共鸣，随着往低唱时要加强胸腔共鸣；使用各共鸣器官的比例是在咽腔调整的，咽腔和口腔本身也是最重要的共鸣器官，它是上部共鸣器官与下部共鸣器官的连接环节.获得高位置声音的必要条件是在整个音乐中用掩盖的、竖的、弄圆的声音，不具备这一点就不可能获得高位置的声音，这个要求对所有声部都适用,我个人的一个小小建议就是在歌唱的时候要有一种投篮的感觉,打过篮球的都知道,在投篮的一瞬间身体都会向前,向上倾斜,或者你也可以在练声唱歌的时候有意识的掂着脚唱,总之,感觉是需要自己摸索的,但是请记住,一定要往上唱。&
&&&&第四点,口型的变化关闭唱法一般是指在中声区用较明亮的“A”逐步到“O”，到了换声区就开始用“U”，过多的“A”声音发白、扁，过多的“O”声音发暗，因此都必须在实践中适当掌握.不同的歌曲演唱时的咬字,口型也不尽相同,比如说我在演唱"请别忘了我"这首歌时,唱到高音:LA&VER&DE&"时口型要保持积极的"E"而在演唱"在那银色月光下"中的高音部分时"寻找往事踪影"的"往"时就需要唱"A"口型了,这时,还要结合我刚才说的，一定要有种向上拉的感觉,可以掂着脚唱。&
&&&&第五点,关闭唱法的一些注意要素歌唱的发声是歌唱发声训练制造乐器的重要方面：它需要喉头稳定，喉咙打开，声音全部搭在气息线上，没有一个音脱离这个气息的轨道，声音均匀、连贯、有力度，气息通畅无阻,声区转换时不露痕迹等等，但是歌唱是高级神经系统的活动，一个人在歌唱时的心理状态,常常能影响其歌唱质量的好坏，因此，在唱歌时，不能只孤立地强调哪一部分肌肉的生理活动方面。好的声音是整个发声机能协调工作的结果。
发表于：13-09-22 10:45
歌唱方法探索
& 一：练声的初步：学习声乐应该要顺应学习的发展规律，从易到难，从简单到复杂，有计划、有步骤的进行锻炼，一步有个脚印的打好基础，几要勇于进取，又要循序渐进。要善于发现自己的长处和特点，努力加以保持和发挥，还要找出自己的缺点与不足，认真进行改善和纠正，精益求精不断提高。为了保证声音的训练，健康的身体非常重要。歌唱使用的乐器就是身体内部的器官，海尔说：“如果你身体是丙等三级的，那你就很难成为甲等一级的歌唱者。”因此，歌唱者必须经常锻炼身体保持健康。&&&&在声乐学习中要求不走或少走弯路，尤其要注意防止在不知不觉中，因使用的方法，练习的方式的不当而陷入歧途，养成不良习惯。不良习惯一旦养成，即使有所发现，往往也要费很大力气才能纠正或消除。叶戈罗夫说：“不正确的歌唱方法得到巩固后，要改正过来就很困难，甚至经过教师纠正后还会再犯。后天性的条件反射是不会消失的，只能给以仰制，以后，由于受到不同刺激的影响，可以再度出现。”&
&&&&人们常说：“欲速则不达。”阿．达利沃说：“歌唱者是初学阶段往往是带有决定性的。醉心于短期速成的人是很愚蠢的。”所以，每个人都应该争取有一个良好的开端。开始练声的时候并不总是那么兴趣盎然的，有的练习初看起来似乎太简单、太太单调，但正是这些东西乃是奠定声音基础所不可缺少的。练声不在于练习次数的多少，使用多少时间，重要的是用怎样的方法和态度去练习。在开始练习前应对每一件事作好充分的准备。在练习时一定要聚精会神，专心注意到每一个唱出的音，声音力求自然、清新、准确。当我们把整个身体作为一件乐器的时候，就可以容易的体会到练声时，采取正确的歌唱姿势是非常重要的。如果姿势和呼吸不好，那么声音就必然受到影响。练声的时候，歌唱者应该自自然然地站立，重心稳定，不可有如何的拘束；放松但不是松垮‘脊椎骨要直、头部自然、端正；颈部的肌肉必须放松；胸部抬到中等高度，两肩放松自然下。有人说：“凹陷的胸腔就会造成凹陷的声音。”&
&&&&口型对歌唱者所发出的声音关系狠大，发声时要根据不同的子音把口适度地、充分地、自然地张开。舌头必须放松、放平，否则就会直接影响喉头的弹性与声波通路的畅通。&
为了取得叫好的效果，不妨利用一面镜子练习，对着镜子歌唱，可以随时注意到口、舌、唇、齿的活动，有利于对声音的调整和纠正。&
&&&&练声的时间以饭后一小时以外为好，每次练习可分为两、三次进行，每段时间不超过20分钟，在一段完了以后，要有一定的休息时间，以确保对声音用之有度，不使声带陷于疲劳。练声不在于时间，而是在于状态，声音的质量~&
&&&&任何练习都要着重音质的悦耳而不是去追求音量。要依照自己的发声能力，自然地歌唱，坚决防止大声喊叫或憋挤或唱过低过高的音。发声要正确、明快、富有弹性，不可强力、紧逼、压迫。最初练习所用的音，要在声音最容易达到的范围之内，然后再逐渐向上下扩展，不要急于求成！&
&&&&正确的歌唱决定于有节制地运用气息。应该体会到在很好的发音时，就像是用口在哈气，用气哈暖一件东西。把喉头放松好似打哈欠的感觉。唱音阶一系列的音，如同穿在一根弦线上的一串珠子，而气息就像弦线。男高音歌唱家雷兹克如是说。歌唱者悦耳的声音建立在良好的气息运用基础上。杰出的歌唱家们从来不是有意识的进行呼吸，他们只是在乐句开始时，很轻的伸展一下身体。这种及时的躯体扩张，往往不为人们所觉察，又能吸进足够的气息去唱完那个乐句。&
&&&&下列几种方法，可以锻炼有关器官在歌唱时发挥其机能。&
&&&&1、哄笑可以发展腹部的肌肉，像在唱歌时所运用的那样。&
&&&&2、在歌唱中自由的呼吸最好的实列就是拖长声音的叹息。&
&&&&3、歌唱者的呼吸必须像打哈欠时那样吸得深。&
&&&&4、喘气是加强呼吸活动柔韧性的最好练习。&
&&&&呼吸要自然流畅，便易从容，没有声音，排除紧张，不能让人明显看出你是在呼吸。由于呼吸是歌唱的基础，而姿势又是呼吸的基础。因此对于呼吸的姿势，应给予足够的注意。不论是呼气还是吸气，都要适度的抬起胸膛并保持恒定，两肩松垂，颈部放松。为了充分发挥呼吸器官的功能，气要吸得较深、柔和、适度、肺要全面的扩张。呼出时胸腔要保持吸气时的自然状态。出气要均匀、集中、稳定、节省、有控制、不漏气。&
呼气控制可以采用变换不同的声音强度方式唱一个稳定的长音来练习。&
&&&&气息的训练方法&
&&&&1、闭着口用鼻子慢慢吸气，有规律的默数，一、二、三。。。。。&
&&&&2、把气息保持住，但只须短时间，也同样默数着数目。&
&&&&3、慢慢的吐出气来，仍默数和数目。&
&&&&这样的练习在一天内可以反复练习若干次，但要注意以下几点：&
&&&&1、只要感到任何不舒适就停下来，这表明进行的强烈了。&
&&&&2、没练完一次，作短时间休息再练。&
&&&&3、可逐渐增加吸气的强度，但不应太急。&
&&&&4、在开始时，气息吸入吐出都应该很缓慢。&
&&&&5、稍感疲劳即中止练习。&
&&&&经过一周这样的练习，可做如下的改变：&
&&&&1、吸气时口略微张开。&
&&&&2、逐渐延长气息保持的时间，但不必过久。&
&&&&3、用极缓慢的速度把气息从口里吐出来。
发表于：13-09-22 10:52
声乐的学习与训练五
& 要想声乐学得好，掌握呼吸很重要。呼吸是歌唱的动力，呼吸是歌唱的基础，许多歌唱上的毛病都和呼吸有关。学声乐的人，平时就要注意自己的呼吸方式。要用唱歌时所要求的呼吸方式进行呼吸，把这种呼吸方式，变成自己的习惯。从以下的论述中可以看出：呼吸，其实并不难，而且人人都使用过声乐上所要求的呼吸方法。那么，为什么有那么多爱好唱歌的人，还没有掌握好呼吸方法呢？我想，&&&
&&&&１、可能是因为他们没有正规的学习过声乐，它们不知道呼吸的重要性，也不知道歌唱对呼吸有什么要求，唱歌时，根本没注意过自己的呼吸状态是什么样的；&
&&&&２、他们平时就是用声乐上不提倡的那种呼吸方式进行呼吸，已经习惯了，虽然现在知道了，但还没有改过来；
&&&&３、有的人一唱歌就紧张，吸气时，使用了不该使劲的地方，比如：过高地抬胸、耸肩等。唱歌时要求的呼吸方式，虽然人人都可以学会，但不经过练习，就不能让这种呼吸方式成为自己的习惯，要想在唱歌时自如地使用这种呼吸方式，确实是需要经过认真和长期的练习才能作到。
&&&&3-1、今天讲呼吸，呼吸是十分重要的。你们躺着睡觉时也要呼吸，这时呼吸的方法是正确的。请记住，在歌唱时，要用躺着时的呼吸方法来呼吸。有两种呼吸法：一种是“胸式呼吸”；一种是“腹式呼吸”。我倾向于腹式呼吸。“腹式呼吸”可以吸得深，可以很快的吸气。一般妇女爱用“胸式呼吸”，用“胸式呼吸”，吸足了气，但一开口唱，气都跑掉了，这样唱很紧，也没有用。“胸式呼吸”与“腹式呼吸”横膈膜工作的方式不同的。（示范）“胸式呼吸”，上腹部往里控制横膈膜，“腹式呼吸”则是上腹部保持住，稍有些往外来控制。&&&
&&&&3-2、吸气要与闻花时一样自然、平静、柔和，气不要吸的太多，但要吸到隔肌。
你高兴地闻花的芳香，这时你会发觉你的胸廓，自然地而不是人为地向上向前抬起，而肋肌，包括腰部，同时向四周扩张，保持这个状态，仅将腹部横膈膜以下的肌肉放松、送气。在呼气的过程中，始终保持吸气状态，要让吸气肌肉群有控制、慢慢地放松。呼气时以吸气时下降的隔肌及下肋骨两侧为支点。但保持的力量不在肋骨上，而在横膈膜上。歌唱时明确地感到了气息支点的部位后，就放松腹肌，让气息由于腹肌的收缩而呼出。&
&&&&３-３、有一些关于呼吸的要点，大多数人还是有一致之处，例如：呼吸要自然通畅，便易从容、没有声音、排除紧张、不能让人明显地看出是在进行呼吸。由于呼吸是歌唱的基础而姿势又是呼吸的基础，因此对于呼吸时的姿势，应给予足够的注意，不论是吸气，或呼气，都要适度地抬起胸膛并保持恒定，两肩松垂，颈放松，为了发挥呼吸器官的功能，气要吸得较深、柔和适度、肺，要全面地扩张。呼气时胸膛要保持吸气时的自然抬起状态。出气要均匀、集中、稳定、节省、有控制、不漏气。注意横膈膜、肋肌、腹肌、腰肌，对气息控制的作用，以及各器官在呼吸时的相互协调。气息的运用要有所安排，应按乐句的长短、声音的高低强弱，对气息进行有效的调节等等。&
&&&&３-４、有一次，我和爱人抱着刚出生几个月的小女儿去看沈先生。沈先生摸着正在啼哭的娃娃的肚子高兴的说：“她哭的时候用的是横膈膜呼吸法，因为她的呼吸方法正确，所以哭上三天三夜嗓子也不会哑。”&
&&&&3-5、我们搞声乐的很讲究“深呼吸”、“高位置”。所谓“深呼吸”，就是把气吸到肺的下端腰部周围，横膈膜下沉，最好能感到气沉到小腹，这一点，我们唱歌的与唱戏的虽然说法不同，但道理一样，戏曲的说法是“气沉丹田”，古书上讲：脐下三指为丹田，这就是要求气要沉下去，而不是浮在胸部。&
&&&&3-6、吸气时，先抬胸再吸气（不是边吸气边抬胸），呼气时，先凸胃再收腹（不是一呼气立刻就收缩腹肌），呼吸的这四个动作是连续而圆润平衡的。其中，抬胸和凸胃――保持吸气状态――是控制横膈膜和呼吸的两个关键动作。这就是最简单最明确的呼吸控制法。
发表于：13-09-22 10:55
声乐的学习与训练八
& 4-1１、有个在罗马得了国际金质奖的歌唱家叫曼弗来多-帕凡罗的，他说：你唱歌的时候要想到相反的方向。唱高音时，想的是最低的地方，唱低音时，上面面罩部分觉得振动。在高音时，使横膈膜控制呼吸，使这部分振动不消失。&
&&&&4-1２、用元音I唱高音应该是比较容易的，容易带有头腔、鼻腔共鸣。唱i&时想到u&，这样唱起来比较圆，相反唱u&时想到i&，这样&就比较亮一些，这是个小小的技巧。
&&&&4-1３、用快速的音阶练习，既能练习高低音的统一，又能练气。连慢速音阶与练快速音阶是不一样的。练慢速音阶是为了找声音位置的统一，一个音、一个音的找到声音的位置，而练快速音阶，则主要是练横膈膜肌肉，使它不偷懒。“位置”这个词，在生活中是很具体的，可是在声乐学习中往往又那么抽象。其实，声音位置在哪里，全凭人们的感觉，有人唱歌时下巴很紧，捏着嗓子唱，声音位置很低，可是，他本人认为这个声音很亮、很好。我的体会是，必须自己按要求打开喉咙、放下喉头、下巴放松、有呼吸支点，打开鼻咽腔，小声去唱，才能体会和感觉到声音的高位置。另外，你小声快速说话时，也会感觉到声音的高位置。你能不能就在这个位置上唱？
&&&&4-1４、从i&音变成o&音，要慢慢变，要学会如何用嘴里的肌肉控制这个变化。变换元音时，要在嘴部里面逐渐打开，嘴的外形不要变动太大。&
&&&&4-1５、“哼鸣”是我们在生活中常见的动作，歌唱中的“哼鸣”练习同生活中的“哼鸣”动作原则上没有两样，只是要求“哼鸣”时喉头放松，把“哼”的感觉置于感叹时的呼吸上，我经常让学生练“哼鸣”，音阶是半音模进，由下而上再由上而下。检验“哼鸣”的对错，可以在“哼鸣”时看嘴巴能否随便动作而不影响声音的进行，如若不影响，就说明方法对了，这样，用“哼鸣”唱法时，嘴巴在做咬字动作和做表情动作时，就不会影响声音。“哼鸣”练习，做对了，能找到、感觉到高位置，做不对，也没有高位置。如果哼的时候，喉咙捏紧、喉头上提，不是“哼”而是“唱”的话，那么，“哼”出来的声音就在鼻子尖附近，位置一点都不高，这也是初学者常出现的问题。应当引起注意。我还在一个资料里看到了一种练习方法，这个方法叫“咀嚼哼鸣”。就是“一边哼、一边咀嚼”的练习方法，实际证明这是一个很好的练习方法。据沈湘教授介绍，苏联时期的世界歌王夏里亚平唱到40多岁，嗓子出问题了，他找了三个德国最有名望的嗓音大夫给他治疗，用的就是咀嚼疗法。
&&&&根据这个道理，我让学生做“哒啧哼鸣”的练习，具体的做法是：先练习用舌头在嘴里做出“哒”、“啧”的声音，熟练之后，再在“哒啧”的同时哼鸣。开始可以在一个音上哼，以后可以由下而上、由上而下的哼滑音，还可以用发声练习曲、用歌曲的旋律哼。对高位置的哼鸣音有了感觉之后，就要“哼到哪里就在那里唱”，实践证明：能哼多高就能唱多高。所以这是一个很有用的练习。声音位置不高、下巴紧张、舌头不灵活的人应该用这个方法好好练练，一定能取得很好的效果。
&&&&4-1６、寻找运用混合共鸣的方法。1、在内心确立优美动听声音概念的音色，用内心听觉指挥和控制发声机能，寻找最美、最动听的混合共鸣；2、通过正确的轻柔、和谐的哼鸣练习，体会各共鸣腔在不同音域的共鸣感觉，听辩自己的发音，通过不断调整、体会、掌握正确的混合共鸣；3、发声歌唱时，口腔应根据音的高低适度打开，原则是音域往上走，口腔上下开得越大，软颚自然向上提起、兴奋、半打哈欠，使声音，引起头腔共鸣；4、发元音的着力点，应尽量接近三个声区的集中点（鼻咽部位），使三个声区的共鸣得到衔接和灵活调整；5、在寻找运用混合共鸣中，应加强中声区的训练，使声音结实、明亮、甜美、自然、流畅。
发表于：13-09-22 10:57
声乐的学习与训练九
& 打开喉咙、喉头稳定:这部分内容是声乐学习的重要内容。对有些人来说也是最困难的部分。“打开喉咙、喉头稳定”，从我摘抄的这些论述来看，也没什么不好懂的。“吸气”、“闻花”、“打哈欠”、“微笑”等人人都会做的动作，怎么用在歌唱中就不会了呢？看来还是个习惯问题，有人已经在自己的歌唱实践中养成了一些习惯，而这些习惯又正好和歌唱的要求相反，比如喉头往上跑的问题，捏着嗓子唱的问题，在中声区爱用真声、用大嗓门唱，不会使用混声的问题，这些跟歌唱的要求相反的习惯，改起来确实是比较困难。但是，必须改。必须下决心改。否则，……&
&&&&5-1、不论是谁，吸气的感觉都是相同的，在正常的“吸气”状态下，喉头位置也就是歌唱时的正确喉头位置，吸气时的喉咙打开状态，也就是歌唱时的喉咙状态。&“吸气”提法总的要求是：怎么吸气就怎么唱，吸到哪就从那唱，在吸的过程中唱，唱的过程中要保持吸的状态，每个字都要吸着唱，唱高音和唱低音都要保持吸的状态，也就是歌唱中的喉咙状态。&
&&&&5-2、任何共鸣腔体只有在打开的状态下才能产生共鸣，而腔体的打开是随着吸气而来，要通过反复练习，将其转变为出气时的状态。
&&&&5-3、每当提到打开喉咙，人们都会想起贝基在这个问题上有一个非常重要的观点，即要求“歌唱时要把喉结始终保持在最下面”。&按着目前很多人的理解，认为所谓打开喉咙就是要求在歌唱时不要将喉咙捏紧，更不要把舌根缩到后面将喉咙堵住，因此给人的感觉是：所谓打开喉咙就是在歌唱时要努力使喉咙向四周，即自里向外扩张。我认为这些都是正确的。但是除此之外还有一种力量，就是使喉咙向下拉的力量。这种力量在打开喉咙的过程中起着主要作用。只有加强这种力量才能使喉咙在歌唱中保持在最下面。从这个意义上讲，所谓打开喉咙，主要是向下拉开喉咙。
&&&&5-4、打开喉咙，声音入面罩共鸣处，横膈膜有力量，控制住气息的供应。这三者必须联系起来，共同配合好。唱高音时，一方面位置往上，达到面罩共鸣焦点，而另一方面，又要有人体往下坐的感觉，感到一种力量向下往胸腔一直到横膈膜处。
&&&&5-5、我刚才使劲叫你别将嘴竖着张大，因为你的嘴在外形上张大时，喉咙里面正相反，开的小，……如果喉咙里面打开，就不会发出那种呃呃的摇抖声音。（贝基叫汪抬头仰面唱“啊”长音，一边唱一边将头放平）这并不难，你要想着喉咙处是向外打开，而不是捏着。
&&&&5-6、有两点，可以总结为唱歌的重要方法，一是用打哈欠的感觉去打开喉咙，并找到面罩共鸣的位置焦点，不过要防止打哈欠打的太过头，使声音太靠后了；二是歌唱时嘴形要带微笑状，可也别笑的太咧，那样声音就发扁。
&&&&5-7、喉咙打开的方法有两种：一种是作打哈欠状，打哈欠时喉咙打开了，唱高音、低音时全保持打开的状态；二是模仿宽嗓门的人唱歌。
&&&&5-8、“哈欠”也是我们在生活当中自然地作出来的动作。如果我们闭口打一个“哈欠”，喉咙里面呈打开状态，软腭也是抬起来的，这种状态是符合科学的发声方法的。这种方法可以使声音垂直、掩盖、通畅，容易调整好气息和位置之间的关系，找到合理的共鸣状态。&我们要用闭口的“哈欠”状态来进行歌唱，并转换任何母音，不能因母音的变化而改变“哈欠”的状态。
&&&&5-9、“微笑”是我们日常生活中的习惯动作，歌唱中的微笑和生活中的微笑是一样的。只是要求把这种微笑状态始终贯穿在歌唱的进行当中，保持这种状态，所有的字，在歌唱中的转换都应保持在微笑状态……凡是在歌唱中笑不起来的人，肯定是部分肌肉僵硬所造成的，只要能把笑肌抬起来，就会自然地摆脱僵硬状态。&要达到这种状态，我们不妨可以先闭口进行微笑，它的状态是喉咙打开、腭部抬起来，这种状态就是我们在歌唱中需要的状态。
&&&&5-10、我个人还有这样的体会：当喉咙完全打开时。在歌唱时会感到头部有一种向前和向上顶的力量，即在某种程度上有梗脖子的感觉。美国著名男中音歌唱家舍瑞尔－米尔恩斯在谈到纠正某些歌者在歌唱中头和下巴的状态不够自然时，主张将双手十字交叉，放在头部的后上方在歌唱时轻轻向前搬，而头部又轻轻向后仰，这时头和下巴便处于歌唱时的状态。我在试着这样做时，觉着这个办法很好，它不但可以使头和下巴处于歌唱时的正确姿势，而且也可以体会打开喉咙时的一种使头部向前和向上顶的力量，米尔恩斯称之为提起头的后部。
发表于：13-09-22 10:59
声乐的学习与训练四
& 歌唱的姿势：学唱歌的人，都有当众表演的机会。表演，就会有人评论，评论什么？当然主要是评论唱的怎么样，但是也会有人对你的姿态、表情加以评论。所以，任何想学唱歌的人，都要注意自己的形象，这是一个方面；另外，正如下面这几条所讲的，姿势的好坏影响歌唱方法的正确与否，关系到歌声的质量。这里说的姿势，不光是身体的外形，主要讲的是歌唱时，身体的各个部位都应该处于什么状态。包括口腔、咽腔、下巴、舌头、喉头、腰、胸等等，都要注意姿势,注意状态。我摘抄的这些论述都讲的非常详细.每位学习声乐的人,都要认真对照,刻苦练习,务必从思想上重视起来.
&&&&2-1、各种唱法，包括美声、民族、通俗，说到底最好的唱法是松弛的唱法。任何挤、压、硬的声音都不会动人。因此，姿态在歌唱中起着关键的作用。有些学生忽视最基本的东西，唱起来，塌胸、翘下巴，加上含混不清的咬字，原来就没进入歌唱状态，谈何音乐呢？所以，当你声音出现问题时，首先要看看你的姿态对不对。&
&&&&2-2、什么是正确的良好的歌唱姿态呢？具体说：歌唱者应站的挺拔（不是僵硬）；两脚稍向两侧或前后分开；两腿站直（不僵硬）、腰部稳定；脸部肌肉放松，表情自然；双眼向前平视、下颌内收；双肩略向后，保持绝对松弛；任何时候不要夹肩、缩脖、喉头附近的肌肉也必须保持松弛。总之，不要允许身体的任何与歌唱发声无关的部位有紧张感。当然，隔肌的支持点除外。其次，背部的脊椎骨始终要有向上、下两端延伸的感觉。使胸廓能保持稍向上、向前抬起，并向四周扩张，如芭蕾舞演员起舞时那样舒展。&
&&&&2-3、练声的时候，歌唱者应该自自然然地站立，重心稳定，顺着本来用力的方向，不可有任何拘束；肌肉放松但又不是像睡眠时那样松松垮垮地；坐着唱歌，胸部或多或少会受到限制，从而影响到呼吸的自由活动，脊椎骨要直、胸部抬起到中等高度，两肩放松下垂，在吸气时肋骨稳定抬起，这种胸、肩、肋骨抬起姿势在发声时应加以保持是非常重要的。有人说：“凹陷的胸膛就会造成凹陷的声音”&
&&&&2-4歌唱状态的好坏对歌者是至关重要的，这不仅关系到舞台形象问题，而且也直接影响歌者的歌唱方法。换句话说，歌唱状态好的歌者，不但舞台形象好，同时也有利于唱出好的声音。凡是好的歌者，他们在歌唱时无论是形体上，还是面部表情以及头部的状态等方面，大都是自然大方、松弛舒展、积极兴奋的，特别是嘴和下巴等部位没有任何多余的和不自然的动作。这就是好的、正确的歌唱状态。&&
&&&&2-5、王秉锐教授在回答河南音乐教师任晶唱歌时下颌向下对不对时说：这是不对的。他说：从生理解剖学的角度看下颌骨与头骨是分开的，它有自然向下的趋势。像四岁以下的孩子咬东西都是下边的牙齿印深。一些动物如虎打哈欠也是下颌兴奋。而成年人是由高级神经支配、在歌唱时是上颌兴奋下颌要与之配合。所以，要求下颌打开这已经是一种很陈旧的方法了。&
&&&&2-6、颌关节打开，下巴既放松又稳固。歌唱时，全身心地热情歌唱，该使劲的地方必须使劲，但下巴必须适当的放松。......歌唱时要常常照照镜子，用手摸摸喉头上方，下巴下面的“下颌舌骨肌”是否紧张，这条肌肉对歌唱来说是绝对不许紧张的。因为它一紧张，喉头就会上提与下巴卡紧。而歌唱时恰恰与此相反，喉头应当向下，才能打开喉咙歌唱。&该使劲的地方使劲，不该使劲的地方放松，这是声乐老师常说的话，上边讲了什么地方应该使劲什么地方应该放松。我们应该认真琢磨、体会。下巴的放松问题,看起来是个小问题,可是我发现,很多爱好唱歌的人，唱歌时，嘴的张开是下巴主动往下用力，因而下巴下边的肌肉很硬，下巴是僵的，唱出来的歌声带有呃、呃的喉音，声音位置低、唱高音困难，他们知道自己唱歌费劲，但是不知道这是由于下巴紧张造成的，所以也不知道如何解决这个问题。&
发表于：13-09-22 11:02
声乐的学习与训练十
& ５-11、（１）、打哈欠是体会打开喉咙的最简单的途径；（２）、找到胸部的支点有利于打开喉咙；（３）、模仿嗓子宽的歌唱有助于打开喉咙；（４）、不张大嘴唱歌可以迫使喉咙打开；（５）、大笑和哭也有助于打开喉咙；（６）、向后仰头唱可以找到打开喉咙的感觉。以上我介绍的是贝基先生在讲学中经常采用的一些打开喉咙的手段。（同上）
&&&&５-12、你有高音，但用捏紧喉咙的方法唱，一旦你年轻时期过去，嗓音会坏的，如果你现在掌握正确的技术，控制肌肉，打开喉咙唱。到５０岁或更大岁数，仍能唱得很好。&这个忠告我深有体会。前边说了，我是４４岁那年才正式听声乐课，才正式研究歌唱的发声技术和教学方法，我自己按上述的一些方法进行练习，我是真正练了。我国著名的声乐专家王宝璋在《咽音技法与艺术歌唱》一书中说：“对一些呼吸方法正确，有丰富的歌唱经验的演员，在45岁前后进行咽音基本功的训练，从而解决塌中的问题，在以往林俊卿博士教学实践中，证明是成功的。”我恰好是在这个时候开始练习的，所以，我的嗓音没有出现塌中，而且越来越好。我今年（2002年）已经６７周岁了，仍然从事声乐教学，仍然能唱，一些熟悉我的人说：比年轻时唱的还好。我深深地感到：我所以能有今天，就是因为我自打1979年开始学习到现在，一直在学，一直在练，一直在教，通过学、练、教，掌握了歌唱发声的基本技术要求。所以，嗓音没有衰退。因此，我在这里提醒想学声乐的人，一定要有“唱到老、学到老、练到老”的思想准备。一定不能练练停停，三天打鱼两天晒网。声乐水平也是“逆水行舟、不进则退”。
&&&&5-13、早在意大利的“真正美声时代”，唱高音是用喉结向上的办法，这种声音尽管唱得很干净，但音越高声音愈细、愈窄。直到150年前，法国一位叫杜普勒的歌唱家发现，如果将喉结稳定下来，打开喉咙，则高音会变得宽阔宏亮，而且上下声区统一，此后，便肯定了稳定喉结的歌唱方法。&一般人唱歌，喉结都往上跑，看来没什么奇怪的，你看历史上也有这么一个阶段，认为往上跑是应该的、是对的，恐怕当时的大歌唱家们也是用喉结往上的方法唱的。但是，后来就改了，认为喉结必须放下来的歌唱方法才是好的歌唱方法，喉结往上跑就变成不对的歌唱方法了。历史前进了，观念变了，想学声乐的这么办？还那么唱？人家说不好，不对了，不对就得改，这是人类对声乐艺术认识的进步，因此，今天我们必须研究喉结稳定的问题。下面我摘抄的这些论述都很精辟。希望你能够认真阅读，并用积极的态度对待喉结的问题。如果你以前也是用喉结往上跑的方法唱歌，那么，今天你也来个与时俱进，把喉结放下来吧。
&&&&5-14、喉头稳定是歌唱的关键，不论唱歌、唱戏、唱民歌，都应当喉头稳定，不可上下乱动、卡紧，下巴不可僵直紧张。说u&时喉头向下移动的位置，就是唱歌的位置。不论喉头稳定与否，都必须使喉头向下练成自然的下意识的动作。喉头天生稳定的人，大约练一个星期即可使喉头向下移动变成一种自觉的动作。喉头天生挤、卡、紧的人(1)、必须用眼睛看（说&时）喉头是否真的向下移动；(2)、必须用手触摸；(3)、听出喉头向下时所产生的头声区u&音音色的共鸣。眼看、手摸、耳听、反复练习才能解决这个问题。&
&&&&5-15、喉头向下挡气是形成正确歌唱状态的基本的动作。这个动作做对了，才会感到有呼吸支持,如果又与软颚适度抬起形成向上向下的两种拉扯的力量，而舌根又坚定与后咽壁形成共鸣管状的话，则会促成三个咽同时打开，使三个声区贯通起来，形成三个腔体――鼻咽、口咽、喉咽――歌唱的总体共鸣。打开三腔的关键是喉头向下使咽腔形成u&音共鸣管。具体讲就是软颚抬起，喉头向下，舌根坚定。发声基本功训练的重点就是训练这三者的密切配合与协作：训练这个向后、向下、向上的的力量组合，训练这个咽腔共鸣管的形成与控制。一句话，就是训练喉头向下挡气吐字发音的基本自控动作。而歌唱时，这个动作是要自如地贯彻始终的啊！！
&&&&5-16、要做到使喉结稳定，不上下乱动，是要花费很多时间与精力的，这不是一时能够作到的。每个人的发声器官不一样，有人练起来容易些，有人则困难些，如果耐心地勤学苦练，一个月练好半个音程，则一两年之内，就能练好所有的音。谁也不是生来就能唱好歌的。这要靠刻苦的训练与学习，必须创造“第二个自然”。每个人生来都具备唱歌的“能力”，但谁能在两个月之内就成为歌唱家？我自己就学习了八年，开始，我高音是喊叫，喉结往上跑，经过艰苦训练，我做到了能将喉结稳定在下面，不使它往上。练习发声，学习发声技巧，一定不能操之过急。要有耐心、坚持不懈的、循序渐进的练下去，才能有成效。&
&&&&5-17、你得在打开喉咙唱强音的基础上渐弱下去唱轻声，而不是改变声音的位置，挤着喉咙唱轻声。刚才你唱轻声高音时，喉结上去了。这不对。强声的位置在哪儿，轻声也在哪儿。&
&&&&5-18、如果你的喉头位置对了，打开了，胸腔就有共鸣，也能自然地唱出高音。喉头不稳定，就产生声区不统一的现象，在换声区时，会出现“破音”。过度音（换声点）是学生害怕的，但如果喉头位置放对了，上下声区全能统一，就不成问题。喉头位置正确摆对，就能将高中低三个声区的声音连在一起，如果你的低音区唱好了，正确了，高音区也应与低音一样。
发表于：13-09-22 11:06
声乐的学习与训练三
& -21、你得牢记一个真理：“最伟大的教师是你自己”。无论是这个人或那个人指点你，但归根结底，要找到正确的歌唱感觉及方法，是靠你自己的努力，我不能伸手到你喉咙中去指点你，还是你自己去体会。
&&&&1-22、贝基先生说：“我们要想获得一点成绩就要受点罪，唱歌本身就是一件苦事，要做出牺牲”。的确，我本人通过多年来的学习，深深地体会到：学习唱歌确实是一件受苦受累的事，特别是要几年、十几年、甚至几十年如一日地坚持天天练唱、练声。不但要付出辛勤的劳动，而且需要歌者有百折不挠的顽强毅力。怕吃苦怕受累的歌者是永远成不了歌唱家的。学习声乐的人对学习的长期性和反复性必须有思想准备，有人就因为没有这个思想准备，尤其是他们不知道学习唱歌本身就是一件苦差事，所以当他们在学习中一旦遇到一点困难，就会动摇、就怀疑自己是不是这块料，就不想继续学习了，就想打退堂鼓。我想对这样的学生说：要想唱好歌儿，就得练，就得吃点苦、受点罪。天上不会掉馅饼，不劳而获的事情永远也不存在。“台上一分钟，台下十年功”。讲的非常深刻。艺术家也好、歌星也好，他们在台上的辉煌，都是台下练出来的。台下不吃苦的人，在台上也风光不起来。&
&&&&1-23、正确声音概念的建立，一般有三个渠道。第一、在理论上通过学习了解歌唱发声的基本原理；第二、在听觉上通过聆听大量的著名歌唱家的演唱，使自己在听觉上建立起正确的声音形象；第三、在感觉上即在教师的指导下，歌声通过实践练习和演唱，建立起正确的声音概念。
&&&&1-24、那么，歌唱发声的基本要素都包括那些内容呢？纵观贝基先生讲学的全过程，我将其归纳为三点：即第一、横膈膜的有力支持；第二、喉咙必须完全打开；第三、充分的面罩共鸣。以上三个基本要素贯穿于贝基先生讲学的始终，而且是反反复复不厌其烦地强调这三点。他说：一定要同时注意面罩共鸣、打开得很好的喉咙以及横膈膜肌肉的力量，只注意其中的一点或两点是不完善的，必须三者配合同时作到。我在自己多年的实践中深深体会到，这三个基本要素之所以都同等重要，就在于：横膈膜的支持是基础；打开喉咙是关键；面罩共鸣是灵魂。&在学习声乐的过程中，每堂课都要练习发声，为什么练习发声？练习发声解决什么问题？老师课堂上所做的练习，要达到什么目的，往往学生是不太清楚的，如果学生对歌唱发声的基本要素有个完整的认识，能像这里讲的那样明确，知道学习声乐就要在这三个基本要素上下工夫。学起来肯定就不一样了。
&&&&1-25、美国波亚波地音乐学院用了将近五年的时间，对40位歌唱者声音的一千个以上的录音进行了音响分析，其结果是：良好的声音具有以下四个共同特点：1、声音的波动均匀稳定；2、声音的紧张度低；3、具有柔韧性的弹性感；4、在500赫芝左右的低泛音状态良好，在2900赫芝左右高泛音状态良好。&
&&&&1-26、一个好的民族声乐演员，需要在六个方面加以训练和提高，这六个方面是：1、在正确的歌唱方法基础上具有混合声的色彩；2、清晰准确的吐字；3、浓郁的民族风格；4、良好的形体训练和表演；5、善于表达音乐作品的感情深度；6、比较全面的文化，艺术修养和音乐&修养。&
&&&&1-27、在传统有关声乐的文章中，记载具体练声方法的很少，据笔者所见，以清代扬掌生所撰《京生剧录》一书中所记为最早：“伶人早起大声习六声，先为合口呼三字，曰：咿（音伊）、哑（音亚）、呜。后为开口呼三字，曰嘻、哈、呵。软红竹词所谓鸡、鸭、鹅是也。”这段不足五十字的记述告诉我们：1、很久很久以前，在演员中已经形成了一种练习歌唱基本功的方式――喊嗓；2、演员养成了有规律地在清晨喊嗓的习惯；3、喊嗓练习包括呼喊六个字音，三个合口呼和三个开口呼。俗话说：“拳不离手、曲不离口”，讲的是功夫要天天练，曲儿要天天唱，才能学会、才能熟练，现在有些学声乐的学生，早晨很少起来练声。这是为什么呢？是不知道练声的好处吗？
&&&&１-28、由于旧的练声方法不够系统，有些地方不科学，所以能揣摩到的就学成了，但也有把嗓子喊破的大有人在，以至一辈子不能再唱歌了。极端成功和极端失败的大概各占十分之一。学习进度也不同，有些人学了一两个月抓住感觉进步很快，有些人学了两三年不见成效，这样的唱法有它的优点和缺点。主要缺点我认为是训练方法不够